Thick As A Brick

Queen - Made In Heaven (1995) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-11-19T19:47:00.000-03:00

Made In Heaven es un disco prístino desde su comienzo. Hay tantas emociones cruzadas en la obra póstuma del Queen de Mercury que me cuesta empezar por el principio.

Un álbum emotivo, sin dudas. Tal vez más que Innuendo, dado que el mismo se forjó en una época oscura y angustiosa de la banda. Made In Heaven es, tanto una manifestación de la inmortalidad de Queen como su expiación, su catarsis sentimental hacia el ya fallecido Freddie Mercury.

En mis épocas de niño, fue el segundo disco que tuve, después de A Day At The Races, fresco como lechuga, sonando en mi minicomponente sin pensar que algún día sería remasterizado. Eso denota dos cosas; la primera es que, en definitiva, es un disco de estudio de Queen como cualquier otro -más allá de las pequeñas diferencias con el resto de su discografía- y la segunda, es que he escuchado Made In Heaven cotidianamente, desde que salió al mercado discográfico en la navidad de 1995 y hoy han pasado 16 años de ese hito, y me comienzo a ver en retrospectiva, teniendo 11 años de edad y maravillándome con este rejunte de canciones tan especiales, tan emocionales, y me cuesta creer que los sobrevivientes miembros de la banda hayan interpretado tan bien el mensaje, la estética, el amor que se tenía por la obra musical, que parece haber sido pergeñado por los cuatro miembros incluso superando Innuendo, con uno de los músicos ausentes (que no era un músico cualquiera, sino Freddie Mercury) sin decaer, con un gancho eterno, y un amor a lo que se hizo, que hace sonrojar a cualquier burdo y pedante critico de la Rolling Stone que nunca entendió que Queen era esto: amor por la música, un poco de entretenimiento, y sólo eso. Música y amor por ella.

Esto es Made In Heaven. Música y amor. De diversas fuentes, es cierto. Con temas fondeados, con retocadas de canciones antiguas, con algunas ideas post-Innuendo, pero con la cohesión necesaria para hacer un disco formidable en todo sentido.

Me pregunto por qué Made In Heaven no podría ser un disco incluso mejor que Innuendo, y la respuesta está en la ausencia de Freddie. Por lo demás, no tiene nada que envidiar a ningun otro trabajo de la banda.

Raro me suena oír que un disco que a la época de 1995 sea vuelto a remasterizar... pero necesitamos escucharlo para opinar, y eso es lo que haremos a continuación.

It´s a Beautiful Day, esa idea original y espontánea de The Game, abre el disco. Ahora sé que es de The Game, pero cuando la escuché por primera vez, a MIH le quedaba como anillo al dedo. Tal vez, Freddie se adelantó unos 15 años a la obertura del disco. Esta canción está hecha para MIH. Los sintetizadores que nos guiarán por el resto del disco, abren la pasada, con algunos licks nuevos de Deacon, pero en tanto su remaster 2011, debo destacar que la voz de Freddie está más fuerte, y las violas de May también, en ese hermoso "...hopeless" nos abraza un cándido bajo de Deacon y estos efectos celestiales que anticipan algunos arreglos orquestrales que el mismo John compuso para llenar el espacio. Estos efectos son lo más notorio del remaster, junto con la voz de Freddie, mucho más adelante que antes.

El tema que da nombre a la placa, está sacado de la época solista de Freddie. Un poco aguda, como siempre fue, la canción mantiene su aura celestial, pero el que destaca es Deacon, que ha sido subido de volumen, notablemente. La bata se mantiene bastante atrás, aunque su bombo de pie ha sido traído más adelante. Y se ha tratado la voz de Freddie, para que no aparezca tras una nube, sino como parte de la canción. Eso no sucedía antes. Freddie estaba demasiado arriba de la nube sonora, como cantando desde el cielo (tal vez era la intención), pero como canción, está mejor la remasterización 2011. Lo mejor de Made In Heaven (te lo digo sin canturrear ese solo tan pegadizo), es la voz de Freddie. Los efectos finales están más subidos y más notorios.

Yes it was meant to be.... written in the stars...

Llegamos al tercer tema del álbum, tal vez mi canción favorita de la banda. Un Somebody To Love mejorado, tal vez. No entiendo como Let Me Live no es un hitazo de la historia de Queen... a mí me parece una canción hermosa, brutal, armónica por donde se la mire, con los acordes justos, con ese espíritu gospel tremendo; sinceramente no entiendo cómo nadie se derrite por ella.

Aquí ha mejorado la batería y la voz de Taylor y May, que están un poco más fuertes. Deacon con su bajo hace el resto. Ese solo de May es para mí el mejor de todos en mucho tiempo. Será que me puede la progresión Fa, Do, Re menor y La Bemol... es una canción hermosa, y deberíamos pasarla a futuras generaciones. Hasta su coda es memorable, aunque corta.

Oh... Mother Love. La vuelta al útero, el refugio del moribundo... el último registro de la mejor voz de la historia del rock, pidiendo algo de paz. Una balada sincera, emotiva, desgarradora. Si Days of our Lives era difícil de escuchar para quien les habla, Mother Love es el cierre del círculo. Realmente deja sin palabras, sobre todo esa frase monumental: "out on the city in the cold world outside... I don´t want pity, just a safe place to hide... mama please, let me back inside". La última vez que Freddie grabó una línea, casi agonizando.. y nos deja. Curiosamente, volviendo a My Fairy King, del primer disco, cuando decide llamarse Mercury. Toda una declaración. Buscando paz antes de morir...

Qué mierda puedo hablar de un retoque sonoro si muero yo un poquito cada vez que la escucho. El sentimiento nubla mi juicio.

Brian termina la canción cantando el ultimo verso, y lo que noto es que el último "Mother Love" de Freddie, está más sorround que el tipo que corre en "On the Run" de Dark Side of the Moon. Es lo único que llego a apreciar tras semejante andanada sentimental.

Otra de las favoritas es este tema 5. Un tema naive si se quiere (originario de 1989), pero que toma una resignificación tras la partida del astro. La voz, prístina como siempre, pero el trabajo de Deacon está mucho más presente, lo mismo que las tecleadas de órgano. El solo de guitarra es otro de mis favoritos. Demuestra por qué menos, a veces, suele ser más. Levanta a cualquiera esta baladilla hermosa de los Queen. Es una pieza muy gentil. Así la defino. Gentil. Gentil para los oídos, para el alma, para el espíritu.

La versión I Was Born To Love You está pulidísima. La voz de Fred está más notoria que antes y hay menos ambientación innecesaria de David Richards (aunque, obviamente, en Made In Heaven es una constante, la onda celestial del disco, cosa que cae a DR como anillo al dedo para sentirse a gusto). El bajo está recontra subido de volumen. Lo interesante acá es que se nota el multitrack. En 1995 costaba bastante distinguir una cosa de la otra. El bajo ! El bajo está refuerte!!!!!!!

Otra cosa que me impacta siempre de este tema es que Mercury lo escribió solista, pero dejó el espacio indicado para que Brian algún día metiera su guitarra. Es decir, el solo lo ejecuta otro guitarrista en Mr. Bad Guy, disco de donde sale este tema en su versión original. Pero está hecho (o eso pareciera), para que fuera Brian el que tocara el solo de la canción. Es tan Queen...

Heaven For Everyone es el alma de Made In Heaven. Pergeñado por el blondo Taylor para su época solista con The Cross, definitivamente la canción merecía el arreglo para ser parte de Made In Heaven. Parece ser el Mercury del ´88 u ´89 el que canta, así que asumiremos que fue grabada su voz en ésa época.

En cuanto al remaster lo que más se nota es la percusión con mejoradísimos estéreos. Otro solo violero que la rompe (para mí, es el disco con mejores solos de Queen, ni dudarlo, junto tal vez, con A Day at the Races). Los coros de la coda de Freddie están desperdigados por todos lados ¡y hay muchos que antes no aparecían! Hallazgo en Made in Heaven!

Too Much Love Will Kill You, esta tremenda balada de Brian que eriza la piel cuando es cantada por Mercury. Parece que habría sido pergeñada para salir en The Miracle, pero por cuestiones legales nunca pudo ser sacada en ese disco. Bueno, aquí está. Dos discos después.

Lo que impacta es que la sección rítmica de Taylor es, junto con las interpretaciones en vivo de Bohemian Raphsody, lo mejor que podés escuchar del batero. Fuerte, cada plato en su lugar, cada fill en su lugar, cada patada o golpe dado con perfección. Lleva los climas, desde el inicio hasta el final. Todo de Taylor, aunque hay que rendir pleitesía a Mercury también por la finura de su voz para cantar con tanto sentimiento. Lo mismo que para el genio de Brian, que fue quien la compuso.

En cuanto al remaster, sólo puedo decir que la voz y el bajo son los elementos que más destaco en el repulido de la canción. Aunque el solo de guitarra (otro solo de la rec*** de su madre) también la rompe, no le noto demasiada diferencia con las ediciones anteriores. Fíjense que al final de la canción es cuando el bajo de Deacon nos da una idea de lo subido que está, cuando Freddie canta los últimos dos "in the end".

You don´t fool me fue también, junto con Mother Love y A Winter´s Tale una de las últimas voces grabadas por Mercury.

Inintencionalmente, con unas pocas líneas de Freddie, pudieron armar toda una canción, con muchos loops y una onda disco tremenda. De hecho, en 1995 era parte de varios tracklists bolicheros.

En el remaster tenemos una mejora sustancial en los efectos de voz. Aparentemente, había algunas cositas raras que D. Richards quiso meter, pero que en 1995 no se notaban. (Hablo del famoso "glaseado" de la voz de Mercury). Se nota muchísimo ahora.

A Winter´s Tale, compuesta en Montreux, fue la última canción completa compuesta por Mercury. El EP nos reserva algunas sorpresas, pero del remaster 2011 de esta canción, a 20 años de compuesta, puede que no arroje demasiadas sorpresas. Noto cierto efecto especial en los coros. El solo de Brian, otra vez, de altísima factura.

El Reprise de Beautiful Day, con esas pequeñas metidas de Seven Seas of Rhye, cuando quien escribe este pequeño post era pequeño, eran una cosa de enloquecerse completamente. Hasta el yeah! final y su inexplicable tema oculto de 22 minutos. (En el remaster, este tema oculto está fuerte y es tan extraño analizarlo como intentar escucharlo).

Hoy poner It´s a Beautiful Day (reprise) me trae esos recuerdos. Y aparte se nota en una parte de la canción que estaba mashup-eada con Seven Seas of Rhye (minuto 2.35), cosa que antes no sucedía.

YEAH!!!!!!!

El final perfecto. Con rock. Directo al cielo.

God Save the Queen.

The Jerusalem Post, escribió: "De alguna manera Mercury y la habilidad de Queen para hacer un sonido alegre en la cara del dolor y la muerte, hace de éste álbum uno muy reconfortante para tener cerca en momentos duros". Y yo no podría estar más de acuerdo.

Pero me olvidaba del EP!

Heaven for everyone (single version) no ofrece demasiado análisis, pero sí las restantes versiones presentadas en el EP. It´s a beautiful day (b.side version) es una buena decisión, ya que no todos los fanas hemos tenido acceso a ninguna versión oficial de esta mezcla en ediciones regulares.

Es fundamental la inclusión de My Life Has Been Saved, porque además es una de mis canciones favoritas y merecía la oportunidad de estar en un EP. Ya que no salió en The Miracle, como deberia haber salido por otra parte, porque es de esa época, la tenemos acá. Y remasterizada. Qué más querés?

I Was Born to Love You vocal & piano version es otra rareza que tenemos la oportunidad de tener en el EP. Buena decisión, aunque correspondería al período solista de Mercury y no específicamente al de Queen como banda.

El Rock in Rio Blues (b.side) es el embrión de lo que serian las improvisaciones de Wembley que antecederían al solo larguísimo de Brian en vivo. La razón por la que están aquí es porque constituye el lado b de A winter´s tale y no demasiado más. Aunque sí es una buena oportunidad para tener una genial improvisación de Freddie en buena calidad. Y a Queen tocando blues.

La última es tal vez, la más rara de todas. La versión cosy fireside mix de A Winter´s Tale. Es mucho más cruda, (de garage) que la editada en el disco. También se nota mejor el trabajo de guitarra, por haber sido sacado gran parte del "reverb" que le fascina a David Richards. Reitero, una versión muy parecida a la original, pero sin tratamiento en la voz ni en la viola. Es decir, que es como Freddie la cantó.

Acá les dejo el ansiado LINK!

Queen - Made In Heaven (1995) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

Y así concluimos con este análisis en particular. Luego, en siguientes artículos cerraré una impresión general y resumida de lo que me parecieron los remasters de este año. El año Queen.

Hablando de fechas; el 24 de noviembre se cumplen 20 años de la partida del máximo rey del rock. Y será hora de un oportuno homenaje por este mismo espacio. Quédense dando vueltas.

Después del homenaje a Freddie, subiremos cosillas de otras bandas, como para variar. Tal vez, algún mini vinilo de Pink Floyd en .wav para ver que tal suenan los remasters de EMI.

Un saludo y nos vemos pronto!

Queen - Innuendo (1991) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-11-05T19:34:00.003-03:00

Innuendo. Rock y lágrimas. El disco agridulce de Queen. En lo personal, en mi top 3 favorito, a la par de refinadísimos discos como A Day At The Races y Queen II. No tanto, tal vez, por la calidad de sus canciones, sino que engloba un come-back a muchas de las raíces queeneras, sin desatender la década incipiente de los noventa. Si The Miracle es un smash hit tras otro, Innuendo es un disco más sobrio y oscuro, con una línea conectora más definida que cualquier trabajo de la banda, incluso a la par de las intenciones progresivas de Queen II. No digo con esto, que Innuendo sea un disco progre ni mucho menos, pero hay una temática en el álbum muy marcada, tanto por la rockera imagen de la banda, como por la enfermedad ya manifiesta de nuestro lider favorito. Y eso coloca dos escalones arriba a este álbum. Y también podría ubicarse tranquilamente en las bateas entre medio de "Plastic Ono Band", "The Wall" y "Saint Anger". Quiero decir que Innuendo es terapia, creo yo, en forma de disco, casi como pocos que he oído, y eso lo hace especialísimo. Creo también que el mote de último show es lo que hace ganar un par de puntos extras al disco del payasito. Me olvidaba, para colmo, de la brutal imagenología de Grandville, que ilustra todo el movimiento innuendístico.

Y para añadir un condimento más, marca el quiebre entre la alegría del queenero, y el llanto eterno por la muerte de Mercury. Entre Innuendo y Made In Heaven, tenemos dos discos especiales y cuanto mínimo, emocionantes desde todo punto de vista.

Antes de iniciar su recorrido, quiero destacar que el sonido Queen de la segunda mitad de los 80 hasta la muerte de Freddie, tiene sus características particulares. Y es aquí donde, como muchos opinan, el productor de los álbumes, el ingeniero de sonido, es la mano que se oye constantemente, más allá de las individualidades de una banda. Si Roy Thomas Baker hizo de Queen exactamente lo que quería Mercury, si Mack hizo otro tanto, nuestro nuevo ingeniero David Richards (desde A Kind Of Magic para adelante), debería poner su sello. Y lo hace, particularmente en The Miracle, Innuendo y Made In Heaven. Podrían formar parte de la trilogía de D. R. como discos muy (a veces, en exceso) ambientados. Entonces, tenemos un The Miracle que, pese a la excelente lavada de cara que le han dado, sigue sonando a David Richards. Los fanáticos queeneros ya estamos acostumbrados, pero no dejo de mencionar que la posproducción de la mayoría de las canciones de esta época tienen un sello muy distintivo, casi celestial o made-in-Disney, que no me termina de cerrar del todo como escucha.

Ni hablar que las canciones son formidables, y encontramos puntos altísimos en la carrera de la banda, pero soy de los que piensan que Queen sonoramente, alcanza la perfección en 1974-76, como casi toda la humanidad jaja.

Vamos al disco!

One, two, three, four... el Kashmir de Queen(?), Innuendo es como esos gigantes de piedra; una mole arrasadora. Freddie está un poco (no mucho) subido de volumen a la hora de cantar. Lo que ha mejorado bastante es el golpe de Taylor y los sintetizadores se han ido un poquito más atrás (esa es la crítica que venía haciéndole a D.R.) . En el intermezzo flamenco -gracias Steve Howe sos el violero más extraño y virtuoso que existe- están ampliados los estéreos, como se debe, y las palmas hacen su baile triunfal que se transforma en un vals de Fantasia (sonido Disney ligeramente inspirado en el Canon en Re Mayor de Pachelbel) y la glaseada Red Special hace el resto. Ahora noto que es glaseada, antes no se escuchaba tanto, ni hablar del estéreo mejorado del solo. Uf! cuántas cosas en una sola canción. Si bien es compleja, no es Bohemian Raphsody, ésta es su versión madura y rockera, menos jodona y más sombría. Debe ser una de las más pesadas de la banda... y aparte, traigo a colación The Miracle; Was It All Worth It parecía un embrión de Innuendo, visto en retrospectiva.

I´m going slightly mad mantiene la estética sombría con la que empezabamos. La voz de Freddie está más clara que nunca, los estéreos exageradísimos y este ritmo de batería sintetizada está más alto que antes. A Deacon me cuesta escucharlo, pero ¡para qué extrañarlo si tengo esos coros mercurianos que son una delicia! Definitivamente, lo mejor de este remaster es la voz de Freddie.

Muchos han dicho que esta canción tiene un tono humorístico oscuro. Para mí no tiene nada de humorístico, es la canción con la que se debe levantar Tim Burton todos los días, mientras desayuna insectos.

A mí me parece tétrica.

Headlong es una locura. El piano sintetizado del principio se escucha por primera vez, la viola es una locomotora y Taylor le pega con dos bates de béisbol a los platos. Lo mejor de Headlong es la guitarra de May, está por todos lados. El que todavía no aparece, obnubilado por la metralla de Brian May, es Deacon. Es decir, se lo escucha, pero no tan realzado como en discos anteriores version 2011. En su defensa debo decir que la versión en CD de 1991 lo tenía por completo olvidado, era todo una sola cosa totalmente llena de sintetizadores y ambiente celestial, lo que daba otro tono al disco, mucho más místico, además por la inexorable muerte de nuestro Freddie.

I can´t live with you está MUY mejorada. Freddie se escucha, no está escondido atrás de los sintetizadores, y ellos sólo aparecen cuando es muy necesario, parece que Ludwig tomó nota: en las versiones anteriores la voz estaba muy atrás y no había nada de golpe en la canción. Todo eso mejoró y en la global, hasta ahora es el tema donde más se notan las diferencias de una versión a otra. Fíjense como será, que los restantes miembros de la banda para Queen Rocks, la retocaron (literalmente, la re-tocaron), poniéndole más batería y sacando un poco de percusiones y sintetizadores innecesarios. La grabación de la voz de Mercury es tan pero tan aguda, que a veces llega a saturarme. De todas formas, me gusta mucho I can´t live with you, sobre todo por la letra. ¡La coda de la canción también está subida de volumen!

Don´t Try So Hard. Un temazo. Ahora aparece Deacon, pero componiendo una balada preciosa. Misma fórmula que I can´t live with you, la voz de Fred más fuerte, un poco menos de sintetizadores (aunque no están ausentes del todo). Las percusiones están más presentes que antes, mientras la danzarina Red Special hace un pequeño pero sentido solo, para una canción brillante.

Y llegamos a una de mis favoritas. Si me preguntan por qué, no lo sé. La canto todos los días. Es malísima, no aporta nada musicalmente nuevo, pero me encanta, tiene gancho, tiene ritmo, es bastante cuadrada. A veces, menos es más. Me gustan las líneas de bajo. Ahora si tengo que reconocer, que Deacon toca el bajo, acá aparece un poco más.

Hace tiempo, cuando oía Innuendo las primeras veces, la pasaba de largo a Ride The Wild Wind. La odiaba. Pues pasé del odio al amor incondicional. Tal vez porque es una isla de alegría y optimismo en un disco puramente pesaroso.

En cuanto a su remaster, desde I can´t live with you, noto la misma calidad y mejora, cosa que no noté tanto en los tres primeros hits. Desde el traqueteo batero, las voces de Taylor que parece subido a un F1 y la hermosura de trino de pájaro de Freddie, hasta su risa, que aparece por ahí, todo me resulta novedoso. La coda final es una de esas bellezas de May, como en Friends Will Be Friends, querés que la canción siga, ese tapping final vanhaleano es brillante!

All God´s People, que antes me gustaba, ha pasado a no gustarme tanto. Pero acá no hablamos de gustos sino de remasters. Atentos, oídos curiosos, en el minuto 0.54 aparecen unas digitaciones de May que si antes estaban, la verdad no se las oía. No se puede decir que no han pelado la guitarra un poco para afuera, lo mismo que los estéreos de los coros, que no son nuevos, pero están exagerados. Y bueno, para qué analizar nada con Mercury cantando cuatro octavas arriba, un animalazo total.

Ahora sí, a partir del minuto 1.46 es otra canción, como todos sabemos, y esa parte sí que me vuela los pelos. Deacon en el frente, May a la izquierda, y Freddie a la derecha. Un tándem raro, al menos en las posiciones que adoptan en la canción. Deacon tocando el bajo y la voz y guitarra como instrumentos secundarios son rarezas que en Queen pocas veces he oído. Che, acá aparece Deacon, aunque sea un poquito, pero aparece. Pero, nobleza obliga, debo decir que ODIO LOS SINTETIZADORES de All God´s People. Afean toda la canción. La coda, que antes era cualquier cosa, ahora se sostiene un poco más, para redondear un buen trabajo en el remaster.

These are the days... la canción del video-despedida. Excede los comentarios acerca del sonido del remaster. Es una de las pocas, sino la única que me cuesta terminar de escuchar. Me cuesta, la identifico con la muerte de Freddie. Y es por eso que digo que también muchas veces me cuesta escuchar Innuendo, porque sé que se me viene el bajón emocional. No sólo representa la muerte de alguien a quien admiro desde pendejo, sino la horrible idea de que todo termina alguna vez, de que nada es eterno, ni mágico, de que faltaron cosas por hacer. Sin embargo, tal vez, es necesario destacar que también esta canción es un gracias enorme a todos los fans de la banda.

Si hablé desde mi fuero interno es porque el remaster, tampoco traía demasiadas cosas nuevas. Es una canción sencilla, y nada más. No da para destacar ni el solo, ni la técnica de nadie. A duras penas si la puedo terminar de escuchar.

Seguimos con Delilah. Tiene lo suyo esta cancion de Freddie dedicada a su gata. Sobre todo un buen solo de guitarra, con esa moneda que nos encanta. Es lo mejor de la canción, aunque también han aumentado la potencia de la batería sintetizada.

Y viene una tremenda rola, con un riff que es la definición de lo que significa un riff, que es The Hitman. Cuya única crítica es que en un momento, en la vieja versión en CD, baja monumentalmente el volumen, por no mencionar que era bastante chata sonando. Ahora ha mejorado un poco, sobre todo el golpe del kick de Taylor. Pasa que la viola está recontra fuerte y tapa todo. Y otra cosa que tapa todo es ese horrible sintetizador (David Richards, te estoy hablando a vos). Qué distinta hubiera sido la canción sin él.

Sin embargo, está mucho mejor The Hitman versión 2011. Cuando Freddie decía ...now the fun begins, la diversión en vez de aparecer, se esfumaba, porque se bajaba terriblemente el volumen de la canción y la dejaba perdida en una intrascendencia absoluta. Ahora, a propósito, parece haberse subido, le da otra estética a la canción, es una rola total. ¡La deuda quedó saldada, Bob Ludwig! The Hitman ahora sí que está a la altura.

La agudísima Bijou, es tan virtuosa como bella, y preanuncia el final. Otra belleza de May, preludio a The Show Must Go On. Lo que aquí mejoró es la reverberancia de las notas; ahora está todo más fuerte. Y ahora, el sintetizador está bien usado. Y la voz de Freddie, con ese timbre agudo (también producto de su enfermedad) que eriza los pelos.

The Show Must Go On, otra reliquia de May, mezcla la candidez del álbum, con la tristeza del álbum. Creo que lo resume todo, porque es una canción con gancho rockero, pero tan triste como optimista. Agridulce. Los acordes de Innuendo son todos agridulces, excepto los de Headlong. Lo mejor que escucho en esta versión 2011 es el bajo, que está mejorado notablemente. La voz, como en todo el disco, está mucho más fuerte que antes. Los "Go on, go on" luego del puente, están en un terrible estéreo, antes no los había escuchado así.

Y así termina el disco: a la altura, fuerte, rockero, triste, por momentos demasiado saturado y ambientado (negativamente). Con rolas, con puntos altos y parejo en todos los frentes. Sin mencionar el pequeño detalle que es el siguiente. Es el último disco de Queen tal como lo conocemos. Después vendrá Made In Heaven, pero no sería lo mismo.

Respecto del EP podemos decir que está la necesaria I can´t live with you Rocks re-take.. aunque ahora, con el nivel alcanzado en la versión 2011 de la misma canción, no era tan necesario rehacer la canción. Me gusta la versión, asi que la dejo como está. Me gusta que Taylor rompa los platos lo más que pueda.

Lost Opportunity podría haber integrado el disco, no obstante fue elegida como b-side. Suena realmente bien, mejor que como la había escuchado antes. Es, junto con See What a Fool I´ve Been, la única vez que puedo escuchar un blues tocado por Queen, así que es como para disfrutar. Era necesario en el EP? Por supuesto.

Ride The Wild Wind Early Version.. es una grosada. Para los fanáticos es un verdadero hallazgo. Justifica totalmente su presencia en el EP. De todas maneras, lo adecuado era que la cantara Freddie, cosa que sucedió, porque el rubio no puede cantar este tipo de canciones. ¡El trabajo de May es totalmente distinto que para la versión que se editó en Innuendo! Para atesorar, esta versión cruda salida de las bóvedas del tiempo.

"What a silly goose!" Otra rareza, este Mad Mix de I´m Going Slightly Mad. Las voces de Freddie están sobregrabadas, dando un efecto psicodélico y los estéreos son un terrible kaleidoscopio. Creo si no me equivoco que esta toma es la misma que la del disco, pero tiene una viola distinta y estos efectitos sombríos la hacen muy interesante.

Headlong (Embryo with guide vocal) es la misma rola, sólo que la canta Brian y cambian algunos yeites de la guitarra. Parece salido de alguno de sus trabajos solistas, me recuerda mucho a Love Token, de Back To The Light.

Redondeamos un EP bastante bueno, aunque dio por tierra con las esperanzas de escuchar Face it Alone, o My Secret Fantasy, dos conocidos demos que son de la época.

Innuendo, versión 2011 ha mejorado notablemente su calidad, sobre todo en los tracks que no son hits. En breve, se sube Made In Heaven, y se termina la colección de remasters de Bob Ludwig... hecho que será festejado y lamentado por igual... ;) Pero todavía hay Queen para rato..

El Link:

Queen - Innuendo (1991) 2011 Island Records Remasters. EAC

Queen - The Miracle (1989) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-10-12T00:54:00.000-03:00

Voy a hacer este post con el corazón, más que con la cabeza. The Miracle no es mi disco favorito de Queen. Antes, debería sondar las inquietudes de Queen II, o los sombríos pasillos de Innuendo, para quedarme con la hermosura de A Day At The Races como discos favoritos. Los sostengo personalmente como los puntales de lo que significa Queen para mí.

Pero The Miracle es como la noviecita, es ese amor del corazón más que del oído o de la cabeza. Esa portada mala y excelente al mismo tiempo, ese cielo turquesa, esos tonos pasteles, esa estética rockera trademark 1989, ese Freddie con barba, todavía con chispa, a pesar de lo acontecido, Miracle parece un disco alegre, contrariamente a lo que fue Innuendo; mucho más serio y opacado por la muerte del genio Mercury.

Miracle destila amor, y es ese amor que nosotros los fanaticos devolvemos. Para nosotros The Miracle no es un disco cualquiera, y está en nuestra más alta estima. That´s for sure.

El disco arranca con la horrible "Party". Como adelantos técnicos, tenemos una panoplia de novedades a partir del "come back and play". Desde el bajo más realzado, pasando por los estéreos de los efectos, y por supuesto se ha tratado distinto el solo de Brian, que ahora aparece por todos lados. Si no fuera porque Party es el preludio a Khashoggi´s Ship, sería una canción fácilmente descartable.

Ahora empieza The Miracle, a partir del tema 2.

Khsashoggi´s Ship is in pretty good shape. La guitarra de May se lleva todo el protagonismo. Tiene un modelado ligeramente retocado, y la batería está notablemente más fuerte. La voz de Fred está más fuerte y desgarrada que antes, noto. Tal vez, la coda de Khashoggi´s Ship es lo más heavy que Queen haya hecho alguna vez. Me enloquezco cada vez que la pongo, le tengo que subir el volumen al palo.

The Miracle, tiene realzados los bajos al principio; por fin escuchamos la canción de Deacon. Los efectos sintetizados muy trademarks de David Richards están muy bien llevados para dar sensación de profundidad. El primer solo de Brian es muy kaleidoscópico (mismo tratamiento que Bicycle Race). Pero el bajo de Deacon es el que se lleva el premio al mejor hallazgo. Los coros "the wonders of this world go on" están muy buenos también, de derecha a izquierda, efecto que antes no existía y si existía, no se notaba....

Ah, bueno... Paren las rotativas. La parte final de The Miracle es ASOMBROSA!!! Ese bajo supremo, por favor. Está súper mejorado. Le han subido un 100% el volumen, cambió toda la tónica de la canción. Definitivamente, hay que quedarse con esta versión 2011 de la canción. Los coros finales se mantienen parecidos a los de antes, pero con la excepción de que se lo escucha más a Brian cantando esta hermosa línea "that time will come, one day you´ll see.. when we can all be friends". Brillante.

A I Want It All le han sacado jugo también. La voz de Fred y el trabajo basístico de Deacon son lo más destacable. Cuando Roger pela sus tick tacks en la batería, siempre recuerdo Stone Cold Crazy. Con este nuevo trabajo del bajo, cada vez, esa sección de la canción es más parecida a Stone Cold Crazy. Los efectos de percusión (maracas?) están mucho más notorios.

The Invisible Man, una de mis favoritas, está un caño. No hay otra descripción. Batería seca, fuerte, dura, una máquina, un puente delicioso, y una rola de aquellas. Es un temazo, y remasterizado sólo puedo volverme loco con los estéreos que antes nunca había escuchado. No tiene demasiados cambios, dado que ya sonaba bien en las ediciones de CD de EMI, y que por otro lado es un poco sintetizado el asunto,así que cuesta más notar un trabajo de Deacon. Hay algunos platillos extra en el trabajo batero que no había escuchado antes.

Y la fórmula Don´t Stop Me Now funciona por segunda vez en Breakthru. NOW!

Destaco sobre todo la voz de Freddie, más adelante que antes. El bombo de pie está presente como nunca, ¡por fin, por fin! Si algo pedimos los audiófilos es un bombo de pie fuerte, y un bajo presente. Acá pasan las dos cosas. Hay un par de estéreos y jadeos de Freddie que vas a escuchar por primera vez. El solo de bajo está mucho más fuerte y presente. Lo mismo que el de guitarra en tremendo estéreo. Me matan los jadeos de Freddie, ¡los vas a escuchar por separado, como lo que son, por primera vez!

Rain Must Fall, otra de las favoritas de quien les habla. Estos ritmos latinos que bien se le daban a Deacon (trazo un paralelismo con Who Needs You) y una hermosa letra de Freddie. Los sintetizadores están más fuertes y ha subido globalmente el volumen. Lo que se oye también es un gran cambio en las pistas de batería sintetizada.

Con Scandal la sorpresa está al principio. El fade in con esas voces de Freddie ahora se escuchan desde antes, para dar lugar a otro buen tema de la banda. El bajo, como en todo The Miracle, tiene su lugar preponderante, lo mismo que los efectitos de David Richards. Si tomamos esta aseveración para la global del disco, seguramente no pifiaremos en el concepto. También me ha gustado mucho el que no se hayan olvidado de Freddie. Generalmente, le han subido el volumen de la voz a casi todas las canciones.

My Baby Does Me, otra colaboración Deacon/Mercury. Tiene un groove importante, sobre todo al mencionar que bajo y batería sintetizada están graves y fuertes. Y también me gusta muchísimo cómo se lo escucha a Freddie (hay unas pequeñas onomatopeyas acompañando a la percusión que vas a escuchar por primera vez. Freddie con sus "chickichikichiki"). Aparte hay un pequeño sonido de (¿marimbas o xilofonos?) nunca antes oído. Es muy buena la mejoría de My Baby Does Me. Donde más efectos y virtudes encontraremos seguramente dentro de los 10 temas del disco.

La rola megaépica Was It All Worth It está tremenda. Muy mejorada, batería fuerte, y ese bajo de "Am I a happy man?" delicioso. Pero lo más increíble de la versión es que, a pesar de ser una monumental sobregrabacion de instrumentos, capas, sintetizadores, guitarras, etc., nunca pierde brillo, nitidez. En las versiones regulares de Miracle, el tema estaba un poco "pegoteado", todo junto, casi al punto de la saturación. Acá no pasa eso. La sección orquestral es buenísima, está alta (y preanuncia Innuendo) y las violas suenan fuertes, pero controladas. ¡Es un punto alto de The Miracle!

La verdad es que no decae nunca, este Miracle 2011. Se sostiene, no falla en ninguna parte, todo el disco está genialmente retocado. El resultado final no es un cambio de estética: sigue siendo nuestro querido y viejo The Miracle. El que muchos de nosotros tenemos en el corazón, más que en la cabeza. Por ejemplo, a la hora de elegir un disco queenero podemos optar por ANATO o Queen II. Pero a The Miracle, lo llevamos en el corazón. Aparte de ser un disco parejísimo y que nunca se cae, está plagado de hits.

Del EP que podemos decir. Había mucho material. Yo, particularmente soy muy afecto a las protocanciones de The Miracle que nunca vieron la luz, como I Guess We´re Falling Out o la versión larga de Stealin´. No entiendo por qué no se puso aquí la versión B de My Life Has Been Saved, error que se subsana en el EP de Made In Heaven, pero que corresponde a la época de 1988/89.

Sin embargo, siempre me pasa lo mismo: estos remasters 2011 no me dejan pidiendo por más. Puedo criticar los EPs con justa razón, pero realmente, me alcanza y me sobra con lo que se hizo para el disco: han hecho presente a Deacon, y Queen es una verdadera banda ahora.

Sigue siendo interesante la inclusión de esta versión ultra rara de Taylor con su guía vocal de Invisible Man, pero por lo demás, Stealin, Hijack my Heart, I want it all (single) y las ya conocidas Hang on in There, Chinese Torture y la versión 12´´ de Invisible Man, son tan obligadas versiones en EP como las que no están.

Propongo la ejecución, como en el caso de los Beatles y su Let it Be... naked, de un Miracle doble, con todas las canciones que pudieron estar en el album y por cuestiones diferentes, no formaron parte de él. Ha sido un período muy prolífico de la banda y es una lástima que haya terminado en sólo 10 canciones.

De todas maneras, el remaster es a la altura, y supera muchas veces las expectativas. Ninguna queja, y bastantes hallazgos para un solo disco, sobre todo si es el favorito del corazón. Gracias, Bob Ludwig, por The Miracle 2011.

Les dejo los links, y se vienen los discos más difíciles de la banda, y por qué no, los más sagrados. Innuendo y Made in Heaven. Hasta pronto!

Queen - The Miracle (1989) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

Queen - A Kind Of Magic (1986) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-10-08T19:39:00.000-03:00

Aprovecho para saludarlos y traerles el segundo disco de la tercer serie de remasters de Island Records. Esta vez es el turno de A Kind Of Magic. Tengo buenas expectativas para este álbum, dado que es uno de los pocos que tras el paso del tiempo no ha sido remasterizado. De hecho, la unica versión conocida del mismo es la del formato CD ya datando del año 1986, así que era necesario un retoque ligero en algunos puntos débiles del álbum. Veremos qué pasa.

One Vision no tiene grandes cambios, salvo por algún estéreo mejorado, era LA canción para traer a Deacon más adelante (sobre todo en la intro), sin embargo no se hizo, es decir que lo que escuchamos a la primera pasada, no es muy distinto a lo que ya conocíamos. Sin embargo hay un par de efectos de fondo que sí han sido retocados. Qué lástima no tener al Deacon del resto de los remasterizados en One Vision. Algo debe haber pasado acá. O Deacon cambió el bajo (cosa que es probable) o en la grabación ya está apagado el sonido del bajo, y ha quedado así. Es interesante la voz de Freddie en el puente de la canción, con unos ecos nunca oídos. En el segmento de baterías sintetizadas por Taylor se juega mucho con los estéreos, pero las violas no están distintas a las de antes. Los efectos finales están notablemente mejorados.

A Kind Of Magic ha mejorado notablemente. Otra vez las secciones rítmicas están nítidas, aunque el efecto David Richards (ese halo místico de algunas grabaciones de Queen que parece estar hecho para una película de Disney), no desaparece del todo. Toda la cancion transcurre sobre un sintetizador, que brinda esta textura de fondo, y en esta versión 2011 eso se nota mucho más que antes.

Recuerdo que también he escuchado el vinilo de A Kind Of Magic, y me está pasando lo mismo que con The Works: me retrotrae al LP en cuanto a su calidad de sonido, a su modestia por un lado, pero candidez por el otro. Por ahora no vengo viendo grandes cambios en el álbum, y no me atrevería a decir otra cosa más que la fe ciega en que estas versiones 2011 están más fuertes y subidas de volumen que las regulares de 1986 (desde entonces que este disco no se remasteriza para CD). Tiene olorcillo a vinilo, este A Kind of Magic versión 2011.

One Year Of Love ha mejorado en su sección rítmica; como en todos los casos, hay subida de volumen sobre todo de la batería, y el solito de saxo está bastante bueno. Los coros de Fred son como dulce de leche para los oídos. Acá el bajo de John (compositor, por otro lado, de la canción), está un poco más fuerte que en el resto del disco. La sección orquestal está mas alta también, me gusta, me gusta. Tal vez es, hasta ahora, la canción donde más se nota la mejoría de A Kind of Magic.

Otra favorita, Pain Is So Close To Pleasure y esos falsetes reminiscencias de Hot Space. La rola no tiene demasiadas cosas nuevas; sin embargo los efectitos de sonido están más fuertes y con más capas, en un trasfondo mucho más importante. Las guitarras de Brian también están mejoradas notablemente, todas más fuertes, y en más capas que antes.

Friends will be friends, nuestro himno a la amistad, es el que mejor sale parado del remaster. El bajo de John, las voces dobladas en los estribillos, la batería omnipresente. Y un piano delicioso, debo añadir. En esta canción hay piano, sólo que a veces lo olvidamos. Y para eso estaba Bob Ludwig, para recordarnos que el piano toma un protagonismo en la canción. Las guitarras de May parecen no entender del factor tiempo: la canción es de 1986 y tiene una sección guitarrera final que no ha sido superada. La mejor coda de la historia. Pasa Friends will be Friends, y me dan ganas de ponerla de nuevo, porque me gustó mucho esta lavada de cara que le dieron. Es ligera, pero lavada de cara al fin.

Who Wants To Live Forever está más subida de volumen, sobre todo en la sección inicial donde canta Brian. A la voz de Brian hubo que subirla en la mayoría de los casos en estos remasters, ahora que lo pienso. Freddie, brillante como siempre. La sección orquestral de Michael Kamen está audiblemente ocupando todos los espacios del track. No brilla, pero es esencial para dar un aire solemne a la composición. En la explosión del coro, solía no entenderse nada: la orquesta, la voz de Fred y los bombos de Taylor, no dejaban entender nada. Ahora tenemos los tres elementos por separado, formando parte del todo. Podés seguir la orquesta, la percusión, o la voz indistintamente, y no te vas a perder. Algo similar han hecho con Radio Ga Ga. En los puntos donde las canciones se vuelven demasiado densas de sonido, se intenta discriminar capa por capa para poder entender y seguir a cada parte de instrumentación en particular.

La coda final, hermosa, un poco sombría y melancólica, está subida de volumen, para equiparar al resto de la canción. Who Wants to Live Forever pedía a gritos una subida de volumen. Acá está, entonces.

Gimme The Prize, o la rola de Highlander: La bata está re fuerte, pero no hay demasiada novedad. La voz de Fred también está más adelante. Pero la que se lleva toda la ovación es la sección de la peli que se retrata en la canción. No será la batalla de The Gates of Delirium del álbum Relayer de Yes, pero nos trae reminiscencias de Flash Gordon 2011. El solo de Brian, formidablemente escocés, redondea una buena versión de Gimme the Prize.

There can be only one!

Taylor y sus incursiones extrañas. Es el que más se queja de que algunas de las canciones de Queen se iban demasiado para el lado dance, pero ahora y en varias oportunidades, es el mismo Taylor el que pone la cuota bolichera del asunto. En definitiva, qué podemos decir del remaster. Que está bueno, que la viola de May está muchísimo mas fuerte que antes. Los "don´t lose your head" y los "don´t lose your heart" de Taylor están al palo, me gusta. El solo de Brian está en un formidable baile de lado a lado, y muy bien tratado.

Here they are, born to be kings. Encontramos algunas cosillas interesantes en Princes of the Universe. Primero, las violas de May en más capas que antes. La voz de Freddie y los coros super agudos, más el efectismo de May y los hihats super nítidos de Roger, son una combinación explosiva. Deacon también suena muchísimo mejor en esta versión. Hay unos estéreos increíbles, y a diferencia de la edición de1986, el solo de Brian ("bring on the girls"!) corre por un lado, y la bata de Taylor va por varios lugares del espacio. La voz de Freddie tiene algunos matices que no había oído antes. Como global, tal vez, junto con Friends Will Be Friends, Who Wants To Live Forever y One Year of Love.

Así que tenemos como resultado un buen trabajo de remasterización, aunque debo decir que ha quedado la deuda pendiente con One Vision.

El EP empieza con una versión rarísima de A Kind of Magic, en realidad es la que pasaban en la peli Highlander, pero no completa. Aquí se presenta por primera vez, y noto que me gusta bastante este cambio de tempos de la batería. La mayoría de los arreglos se mantuvieron para la versión del álbum.

La versión single de One Vision no es otra cosa que la versión single de One Vision. La que todos conocemos del GH II. Subieron a Deacon en esta oportunidad? No. Es la misma canción que el track 1 del disco.

Me gusta, sin embargo, el tercer tema del EP. Pain Is So Close to Pleasure (single version). Es un tema ligeramente distinto, con otra voz de Freddie, por momentos menos falseteada que en el álbum. Ahora se nota un mejor trabajo de Deacon, que pone lo suyo y hace arpegios interesantes por allí.

A Kind Of Vision es una cosa muy extraña, también. Parece que las dos canciones habían surgido de la misma idea musical. Ahora nos damos cuenta de que fue realmente así. Nunca hemos escuchado esto, asi que es para atesorar.

La version en vivo de One Vision que se nos presenta en el EP es un artilugio comercial: data del 11 de julio de 1985. Con Queen abriendo Wembley. Las versiones que conocemos del Wembley son del día siguiente. Con motivo del 25 aniversario de dicho megaevento, se presentaron en un DVD especial las dos noches de Wembley. Ésta versión es de la primer noche, que hasta ahora permanecía vedada a los fanáticos. Se los nota un poco nerviosos a los muchachos, nada que ver con la conocida primera versión del Wembley, donde ya estaban todos acostumbrados a semejante multitud. Esta versión respeta más la canción original, y hasta tiene alguna pifia de Brian al principio.

Friends Will Be Friends Will Be Friends es la versión mashup que conocíamos de las ediciones en CD de EMI. Bonito mash up, pero mash up al fin.

El EP no está tan mal, me ha gustado bastante.

Bueno, me voy despidiendo, pero obviamente, como siempre, les dejo el link acá abajo. Se viene The Miracle, no bien pueda reseñarlo, lo comparto. Todavía no lo he escuchado. Saludos!

Queen - A Kind of Magic (1986) 2011 Remasters. Island Records (EAC) by Fedemercury

Queen - The Works (1984) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-10-07T23:33:00.000-03:00

The Works es como esas relaciones difíciles con ciertas chicas, a veces te seduce, a veces te harta. Hace algún tiempo, me gustaba decir que era un disco malo, pero extrañamente necesario. Lo cierto es que tampoco esa aseveración era tan cierta...como muchas de las cosas que uno dice.

Hoy vuelvo a ponerlo, habiendo escuchado 10 discos de Queen versión 2011 y con una opinión favorable en la mayoría de los casos.

El asunto con The Works es que, si bien en un momento de declinación de la banda, en sentido comercial tras el fracaso de Hot Space y la vida horripilante en Munich -a menos que tu nombre fuese Freddie Mercury-, la banda baraja las cartas y da de nuevo, intentando volver un poco a las fuentes. Cambio de estudio, aventurillas musicales solistas, vuelta al ruedo con cierta fuerza (que en realidad se plasmaría con todo en A Kind of Magic), todos estos últimos cinco discos son tal vez, lo que mejor mezcla el éxito comercial de la banda, con las buenas rolas, que es lo que todos queremos. Es decir, cuando había buenas rolas, no eran populares, y cuando eran populares, directamente se pusieron a hacer pop funk, así que este balance desde mediados de los ochenta en adelante, son un verdadero tesoro para nosotros los fanáticos.

Pero basta de charla; vamos a lo nuestro.

Vamos a ver qué nos depara este The Works versión 2011.

Menuda sorpresa me llevo con Radio Ga Ga, me agarra desprevenido. Esa batería sintetizada está fuerte y más semejante a una de rock...están asimismo, pulidos los hihats y llevados un poco hacia la derecha. Lo mismo que la voz de Freddie, aparece al frente, con una frescura total. En la discografía de Queen, Radio Ga Ga solía ser uno de esos temas que saturaban y por momentos no podíamos distinguir cada una de sus pistas. El eco del segundo verso se nota mucho más que antes, y los manejos de sintetizador han sido notablemente estereomizados. Es un tema completamente nuevo. Añádanle, también esta formidable sensación de vinilo; esta candidez que sólo encontramos al pasar el disco en una bandeja. Los "Radio Ga Ga" danzarines por ahi por el minuto 4.30 están distintos, en cuanto a su amplificación de stereo. Muy interesante hallazgo, definitivamente la mejor versión de esta canción que he escuchado. Está fuerte, nítida y suena a vinilo.

Tear It Up! Volvemos a la vena rockera! Se nota mejor la viola de fondo de Brian. Incluso suenan hasta los acoples por separado, cosa que antes no pasaba. La voz parece estar más adelante, y Deacon aporta lo suyo: han subido el volumen del bajo. Como en casi todos los discos de estas series. Redondea la canción, hay cosas no escuchadas de Deacon acá. Sigue sonando a vinilo. Impresionante el bajo! esas subiditas y bajaditas que hace (como en Let Me Entertain You) son uno de los yeites más queridos del bajista queenero. Acá se notan a full, buenísimo Tear it Up.

It´s a Hard Life es una de esas bellezas que uno se encuentra en la vida. Acá la batería está más presente que antes. La voz está menos "suelta" que antes, es decir, no se pierde en la canción, sino que me suena más "enlatada". Es brillante el tratamiento a la voz, y creo que le han restado un poco de eco de la versión anterior de 1993/94. A estas alturas, los tres temas escuchados, justifican la quema pública del The Works de los noventa. Esta versión se acerca mucho al vinilo, quienes tuvimos la suerte de escucharlo alguna vez.

Me está gustando muchísimo este remaster. Es serio, no boludea, muy efectivo, transforma el álbum. Me parece que estoy escuchando de cero, de nuevo The Works, por primera vez en la vida.

Man On The Prowl. Acá no se nota tanto Deacon, sino que la batería se lleva el protagonismo: está fuerte. Por lo demás, respeta bastante lo original, tal vez alguna textura extra en los coros. Pero esos redobles del tambor de Taylor son metrallas. El solo de Brian está notablemente mejorado y subido de volumen (convengamos que no usaba la Red Special así que tampoco pidamos demasiado de una Telecaster). El solo final, esa coda misteriosa y asombrosa de Fred Mandel sigue tan presente como antes, y termina tan extrañamente como antes.

Ahora, Machines nos trae algunas sorpresas. En primera, las batas sintetizadas están "all over the place". Se desparraman por tu cerebro, mientras oímos estas quejas (?) robóticas. Siempre me gustó la parte más rockera de la canción, donde Deacon mete esos arpegios muy humildes pero efectivos. El volumen global del tema está subido, y entre puentes, versos y estribillos, lo bueno es que hay un volumen parejo, no como antes. Siempre considerando que el fondo de la canción es una pirotecnia de sintetizadores. Hay un par de coros por el minuto 3 que están en un excelente estéreo. Como regla de The Works, parece que tenemos a un Taylor con la batería FUERTE. FUERTE FUERTE. Casi como en News of the World. Hallazgo 2011. No hay nada que hacerle, it´s a machine´s world.

Absolute stereo para I want to break free. Ésta versión del disco es la que más me gusta (el single no tanto, dada la penosa intro de pianito que no gusta demasiado). El tema es más catchy que la version single. Creo que era el espíritu de la canción, que sea más alegre que la presentada en el single. Como en la version de los noventa era la que mejor sonaba, sólo noto alguna mejoría en las púas de guitarra acústica que martillan las cuerdas muy en estéreo, más que antes. Pero no mucho más. Tampoco era necesario retocarla tanto, dado que ya sonaba bien antes. Sobre el final de la canción está mejor el volumen de la coda.

Menos eco para Keep Passing the Open Windows. Temazo, uno de los favoritos de quien les habla. Me gusta la idea de tener menos eco y más rock. Suena a vinilo 100%. La voz está nítida, excelente, la mejor versión que existe de esta canción. Este remaster globalmente, noto que está muy bueno, y junto con el de Flash Gordon, puede que sea el mejor de la serie. El solo de Brian viene en stereo como nunca. Un deleite!

Martillo es la guitarra de May, el bajo de Deacon y la bata de Taylor. This is Queen! Buenísima versión de Hammer To Fall. Cumple los requisitos de todo el disco. Bajo fuerte, Bata fuerte y viola fuerte. Nítida, un chisperío total. Solo de la hostia, el mejor rock de los 80 de Queen.

Las acústicas de Is this the world we created son como le gustan a May. Bien agudas. Esas cuerdas bien altas, que son un manojo de alambres. No es mi gusto particular, pero debo reconocer que están muy bien puestas en los remasters. Mucho armónico (esa costumbre de tocar el 12o. traste con palm muting), cosas que no se habían oído. Así como en las versiones en vivo de Love Of My Life, las guitarras están excelentes. Mucho mejores que antes.

El EP nos ofrece algunos elementos necesarios, y otros un poco superfluos, pero es bienvenido. Ya he hablado antes de que resigno la idea de unos EPs brillantes (aunque en muchos casos, casi alcanzan esa categoría de no ser por las molestas versiones en vivo), por el valor sentimental y musical que tienen las solas versiones de los álbumes remasterizados.

I Go Crazy es terrible, tiene un poder que nunca hubiéramos imaginado. Excelente rola, ya justifica el EP por sí solo. Tal vez está un poco exagerado el agudo de los platos, pero no llega a saturar. Tal vez ha sido un tema grabado con poca post producción, bastante crudo, y por eso es dispar el trabajo de remasterización.

I Want To Break Free single version, como la conocemos quienes entramos al mundo Queen por los Greatest Hits I y II, es la misma que aparece en el segundo recopilatorio de éxitos. No hay mucho que decir, por lo menos por mi parte. El remaster está bueno, pero la canción... me quedo con la versión de The Works.

El Headbanger´s Mix de Hammer to Fall es el tercer track del EP. Como particularidad, la nota al pie de esta edición dice que fue lanzado en septiembre de 1984 como parte del single Hammer to Fall en los vinilos de 12´´. Lo nuevo aquí es un solo que aparece pegoteado añadido al resto de la canción. Lo cierto es que es un verdadero mash-up este Headbanger´s mix. Suena buenísimo, pero no aporta demasiado, sólo este pequeño solo intermedio que desconocíamos y que se nota PEGOTEADO como quien no quiere la cosa.

La fe en el EP se diluye cuando entramos en las ignominiosas tierras de las versiones en vivo de las canciones del álbum.

Is this the world... e It´s a Hard Life (rara vez tocada en vivo, sólo para la gira de The Works) son versiones de las presentaciones en Rio en 1985. Las dos versiones son tremendas, están buenísimas y son de revista obligatoria, más allá de que deteste la decisión de incluir las versiones en vivo. Hay que escucharlas. Creo que en el Magic Tour hubiera sido hermoso tener más versiones de It´s a Hard Life. Además, se lo nota a Mercury bastante parecido que en el registro de estudio. Es decir, en una forma vocal formidable. Llega a los puntos altos de la grabación, cosa que luego se iría perdiendo con el paso del tiempo, sobre todo en la última gira de la banda.

El tema final (Thank God it´s Christmas), pese a no ser más que un single que salió por separado, era necesario acomodar en este EP, porque data de la misma época creativa. Está bastante mejorado el track del bajo, y por fin tenemos una versión mejorada en un disco oficial de este raro B-side.

Destaco de The Works la enjundia rockera, que la tiene, pero sobre todo, el asunto de las versiones 2011 de las canciones, lo hacen mejor, menos ochentoso y más rockero que antes, sin mencionar que está fuerte globalmente. No hay demasiadas cosas nuevas, pero debo reconocer, que el álbum está mas cercano al sonido ideal del CD como analogía del vinilo. Además, tenemos un EP que sale bastante bien parado.

Me shockearon bastante los primeros tres temas del disco, sobre todo.

Cuando joven, The Works (vinilo) era disco de cabecera. Haber escuchado hoy de nuevo por enésima vez el álbum recién conseguido, a pesar de tener dos versiones más, la de 1994 y la japonesa de 2001, me hacen inclinarme fuertemente por la de Island Records que es la que estoy reseñando.

Es muy recomendable escucharlo y tenerlo. Yo por las dudas, lo comparto, para aquellos audiófilos curiosos.

Ahí abajo el link..

Queen The Works 2011 IRRemasters by Fedemercury (EAC)

There´s a kind of magic in the air! ;)

2011-10-07T02:30:00.002-03:00

Se vieneeeeeeeeennn!!!

Queen - Flash Gordon (1980) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-10-06T21:51:00.001-03:00

Flash Gordon es, antes que un disco de Queen, una verdadera banda sonora. No tanto como A Kind of Magic, que resultó ser la mitad de cada cosa, entre un disco de Queen y una banda sonora. No; en este caso, nos enfrentamos a un álbum único en su tipo. No es, necesariamente sólo para fans, sino que cualquier amante de las pelis berreta de los años 80, o de los géneros similares a la ciencia ficción, puede disfrutar. Precedió a otras colaboraciones artisticas de músicos en el mundo del cine, como la de Vangelis y su excelente producción para Blade Runner. En esta veta artística encontramos un Queen incursionando en el mundo cinematográfico con gran soltura, ya dueño de casi todo el globo, al menos en ventas y charts.

Con motivo de los 40 años de la banda, el disco Flash Gordon ha sido remasterizado de novo y con un delicioso EP que espabila hasta al más crítico de estas series.

Quienes tuvieron la oportunidad de escuchar este CD en sus ediciones regulares, sabrá que lo que se ofrece aquí es algo totalmente distinto. No hay comparación con la edición anterior, casi como ningún otro disco. Es más, entre algunos fanáticos hemos concluido que es el disco que más trabajo debe haber tenido, dada la enorme diferencia con las versiones anteriores.

Lo curioso, es que es el único disco de las series donde NO SE ACLARA que la versión nueva ha sido tomada de las "original master tapes". Me y nos gustaría saber de dónde han sacado el registro del disco. ¿Tal vez de la versión DVD? No lo sabemos. Es todo un misterio. No me quejo de los resultados, son asombrosos.

En la global, como es un disco casi a ser pasado de una sola vez, quiero decir que los estéreos en general y el tratamiento que se ha dado a la textura del audio, hacen de este disco toda una experiencia cinematográfica... para los oídos. Está justamente a la altura de las reediciones de la peli en DVD o BluRay. Como hay muchísimos efectos de sintetizador para crear este halo sci fi, se juega bastante con los vaivenes de los estéreos. Tal es el caso de Flash Gordon, o In the space capsule... este último, casi un viaje lisérgico de sonido en hi fi. Sugiero fuertemente adherir las orejas al auricular que se tenga a mano, para poder disfrutar de todas las capas y los tracks del álbum.

Por supuesto que hay cosas nunca oídas antes. Además de la panacea de sintetizadores, los diálogos están muy fuertes, nos meten realmente en la película. Sucede sobre todo en el tercer track, Ming the Merciless. Seguimos la película al pie de la letra, desde la presentación de nuestros héroes ante el malvado Ming, la seducción de la princesa Dale, y estos densos pasajes de diálogos y sintetizadores.

Pero, en un momento, llega Queen con toda la enjundia. Football Fight nos muestra a un Deacon cada vez mejor con su bajo. Esta versión instrumental está llena de vida, y nos recuerda lo bien que suena Queen como banda, tocando cualquier cosa con cierto ritmo.

In the death cell, reproduce otra vez diálogos y pasajes densos de sintetizador. Si no fuera por la onda un poco bizarra de la película, hubiera creído que se trataba de un disco de Pink Floyd (recuerdo esos sintetizadores de la música de La Vallée a.k.a. Obscured by Clouds).

Execution of Flash es una deliciosa pero simple interpretación de May, que abre lugar a una sección orquestral y luego a la belleza encarnada que es The Kiss... un Freddie en lo mejor de su registro, con una magnificencia coral increíble, y evidentemente retratado como canción, porque los coros son nítidos, hay todo un tratamiento nuevo a la voz, y se nota. (A estas alturas estoy volando en ensueño e hipnotizado por estos pasajes verdaderamente asombrosos que nos da Flash Gordon).

Arboria y Escape from the Swamp son dos piezas que hacen al nudo de la historia, y están plagadas de sonidos ambientales y cacofonías notablemente subidas de volumen, con respecto a lo original. Especialmente el segundo (Escape from the Swamp) es un perfecto ejercicio estéreo. Considerémoslo un solo de bata del rubio Taylor, en un trasfondo estéreo total y con elevadísima calidad de sonido. El efecto que logran los remasters es realzar el "ondulado" de la pieza, casi como nunca se pudo antes.

Flash to the rescue es una de las tantas reprises del tema inicial.. de hecho de aquí se han sacado varias líneas para el single, el cual veremos presentado en el EP del disco. Destaco aquí la genialidad de los efectos especiales (que, en realidad hoy serian la vergüenza de la ciencia ficcion, pero que en esos momentos eran todo un suceso).

The battle of hawkmen, es aquél segmento archi conocido donde un gordito alado y volador, en apoyo a Gordon, dispara horrorosos flashes de luces neón. Toda esta sección de la banda sonora está signada por unos asombrosos tratamientos (de fuente desconocida) a los efectos especiales.

Luego, aparece una sección como intro de The Hero, (Battle Theme), que repite la temática anterior. El solito de Brian está genial en estéreo, violas aquí y allá, los pequeños segmentos donde entra la banda, son realmente de altísima factura sonora. Cabe para todo el disco.

The Wedding March merece un parrafo aparte: le cae como anillo al dedo (valga la redundancia) al ruliento May.. Es una genial interpretación del hombre de la moneda y la guitarra chisporroteante. Ahora notamos muy bien las capas en las que fue sobregrabada la canción. Ahí noto por lo menos dos guitarras.

Max Von Sydow es un genio, nunca pensé que lo escucharía en el mismo contexto en un disco de Queen. Su interpretación de villano es muy recordada en Flash Gordon.

Hail Flash!

The Hero es la última pieza, y es un estallido absoluto de rock queenero. Es una rola impresionante. Lo que mejor noto es la subida en bajo y batería, pero sobre todo en bajo. La voz de Freddie se acopla muy bien, pero Deacon está mas presente que antes. Las violas, por otro lado emparedan el sonido a ambos lados. Las pequeñas partes orquestrales son buenísimas, han dado nueva vida al tema esos efectos en estéreo absoluto. Y la última parte, el puente es pura delicia, los platillos suenan nítidos... sólo queda rendirse al lick de Brian. Volvemos a la ultima parte de The Hero, los coros están formidables, casi a la Bohemian Rapshody.

Chicos, este disco no tiene nada que ver con la edición regular. Tal vez, es el mejor trabajo de remasterización. Pero no me olvido de lo siguiente. No sabemos de dónde han, sacado la fuente para hacer semejante renovada al Flash Gordon.

El EP es, también, infaltable. En primera, porque tenemos la versión single que es la que todos conocemos, con amplios estéreos, voces de Ming al fondo, hay una multicapa total de cosas interesantes. Está subido de volumen, pero las violas son las que sobresalen, y los coros se llevan las palmas. El bombo del drummer, también se nota bastante mucho. Saltan un poco las rajaduras del cielorraso si es que lo ponés fuerte.

La versión "...revisited" de The Hero es ASOMBROSA!!!!!! parece grabada ayer!!!! no tengo ninguna comparación con algo anterior, pero sugiero su pronta escucha a quien no lo ha hecho. Creo que sería el tema que pasaría a alguien que quisiera tener una banda que sonara como Queen. Ese segmento instrumental del puente de la canción es todo lo que es Queen. Con 40 segundos de puente, te das cuenta de cómo tiene que sonar tu banda.

The Kiss (early version), podría haber estado en Barcelona, de Freddie y Montserrat Caballé. Breathtaking. Bellísima.

Football Fight (early version .. no synths!) es como debería haber sido la canción sin tanto efecto en la peli. Sólo los cuatro, tocando. Tocando, tocando. Buenísima rola instrumental. Queen no hacía mucho estas cosas instrumentales para sus discos. Por eso es excelente tener muchas de estas cosas. Aprendés sobre cómo se mueve la banda junta por momentos.

Y bueno, por supuesto, vienen a arruinar el EP las versiones en Montreal que todos conocemos. Pero por otro lado, está bueno tenerlas por el asunto de ver cómo es que la banda se las arreglaba en vivo para tocarlas.

Me ha gustado mucho Flash Gordon, desde ya no es mi disco favorito, pero es una joya que necesitamos, sobre todo los fanáticos. Además porque es único en su tipo en la discografía queenera. Enhorabuena por esta versión 2011, lástima que no sabemos desde dónde han salido las cintas.

Les dejo el link que contiene el CD y el EP, como de costumbre. Recuerden que con este disco, terminamos la segunda tanda. Afortunadamente a la fecha, todos los discos siguen disponibles para su descarga.

En breve, tal vez mañana mismo, a esta hora por este mismo canal, viene de a poco la última tanda. Salud!

LINK

2011-10-04T18:58:00.000-03:00

Debido a que algunos blogófilos han solicitado nuevas subidas de los discos de Queen, en breve relanzaré los links, en algún servidor más duradero. Y como añadidura, seguiré subiendo los discos, desde Flash Gordon en adelante. Hasta ahora, tengo en mis manos todos excepto The Works y The Miracle, por lo tanto ruego paciencia. En unos días, vuelvo a habilitar los links y en lo posible, los artworks (no obstante, hay algunos que todavía funcionan). Saludos!

P.D.: Luego de las remasterizaciones de Queen, vendrán las de los Floyd. les sugiero estar alertas!

Queen - The Game (1980) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-08-09T13:09:00.002-03:00

Hace un par de días, mientras juntaba data para hacer la reseña de los discos, comparar opiniones, juntar versiones, he visitado asiduamente los foros de los fanas de Queen. Más precisamente Queenzone, y algún que otro portal con cositas queeneras. Y sale a la luz una opinión humilde de quien les habla:

He notado que hay un par de muchachines que están buscándole un poco el pelo al huevo, acerca de palabras difíciles de entender como "los rangos dinámicos", la tan mentada "loudness war", y algún que otro comentario acerca de cómo los nuevos remasters en sí no son del todo un buen producto final, sobre todo con el asunto de que los discos están masterizados más fuertes.

Especial es el caso de Jealousy, en donde han llovido las críticas sobre la batería (aparentemente, añadida "de novo", según algunos aventuran, por el mismísimo Taylor en persona). Ha llevado muchas discusiones sin sentido la presencia de este Jealousy del album Jazz, versión 2011. Yo digo que sobre gustos no hay nada escrito, y que concuerdo en el asunto que postula que los discos están fuertes. Así es, pero ni a ganchos, en la historia de la música, podemos decir que las remasterizaciones no son buenas, o suenan mal. Están fuertes, como dijo alguno, suenan como los Foo Fighters. Aunque tal vez, los FF deberían preocuparse en sonar más como Queen jeje.

Lo que quiero decir es que nunca, subiendo el volumen de tu vieja edición de 1993, podrías decir que igualarías la calidad y mérito técnico de los remasters 2011. Hay miles de cosas nuevas. Y hasta ahora, promediando la colección, podría decir que viene pareja, no decepciona y tiene hallazgos más que interesantes.

Ahora es el turno de The Game.

Desde las entradas del sintetizador, notamos la diferencia. The Game está fuerte, no demasiado distinto de la versión anterior.Lo que sí, los arpegios de bajo son mucho más audibles. Pero como ya las versiones anteriores estaban bien masterizadas, no se ha añadido demasiado truco a la canción. Está considerablemente más fuerte. El solo de Brian ha sido refrescado, ahora es un poco más danzarín y cálido (más cálido de lo que ya era), y en su entrada, es una locura en estéreo. A veces juego con el ecualizador, y noto que el bajo está casi independiente, si subís un poco los bajos, te vas a dar cuenta de lo que te digo.

Dragon Attack tiene una curiosidad, podemos escuchar la mímica el "palm mute" del bajo de John, quien parece seguir tocando (silenciando con la mano los trastes) la canción mientras canta Freddie el primer intro del verso. Las violas son un muro a ambos lados, similares a como están en el tema anterior. El intermezzo murguero de Taylor en full stereo, y el éxtasis de Deacon y su solo, son momentos brillantes. El tratamiento al solo de Brian también es muy interesante. Se nota que Dragon Attack tiene muchos más elementos que antes. El efecto de la voz de Freddie también es mucho más nítido que antes y la parte final con las guitarras sigue la tónica del tratamiento de la canción; absolute stereo. Las capas de sobregrabacion de la Red Special se notan mucho en Dragon Attack.

Para AOBTD, tenemos otra consideración. La canción no sigue la tónica del sonido de las dos anteriores, pero eso ya pasaba en los remasters viejos. Se nota que es un problema con la grabación original. En este caso, los estéreos han sido mucho más exagerados. A mí siempre me sonó una canción un poco "ensuciada" (probablemente sea por el sonido de la batería de Taylor) Los efectitos de sintetizador están bastante buenos, en varias capas, como antes no estaban. De todas maneras, no hay gran tratamiento a una canción que ha sido tocada un millón de veces.

Pero el cambio se nota en Need Your Loving Tonight. Las guitarras acústicas se sienten, otra vez, las violas de May haciendo el muro de sonido, tapiando los costados del bafle. Hay un poco de acústicas nuevas, y hay un par de voces cuchicheadas que nunca habían sido oídas. Creo que son las de Taylor (hay un "Let´s go" que se cuela en el minuto 1.37, como marcando el tempo de la canción, pero no estoy seguro de si es la voz del rubio..).Como sea, hay cosillas nuevas en NYLT.

Crazy little thing called love tiene un ligero reajuste en sus guitarras acústicas y, hacia la derecha podemos notar una segunda guitarra por planos en el fondo de la canción. Por lo demás, no hay gran cosa detrás de CLTCL. Es decir, no noto demasiada "remasterización", pero sí es cierto que el bajo está un poquitito más fuerte. Y la coda se escucha un poco más larga que antes.

Rock It debería haber sido prohibida por la discográfica, a partir del minuto 0,57. Pero bueno, son decisiones del momento. La canción es horrible después de esa marca de tiempo. Pero su remaster, al menos nos deja algunas consideraciones. Los sintetizadores están bien puestos, en estéreos, primero a la izquierda, luego a la derecha, no tan excedidos de volumen como en las versiones anteriores. De hecho, esto hace que la canción sea más rockera que antes. Porque al mandar los sintetizadores para atrás y a los lados, deja lugar a que aparezca John Deacon y a que Brian se saque una genial guitarreada. Un crescendo de sintetizador que no había aparecido antes, en una edición lineal y abúlica como la de 1993. Hay unas guitarras nuevísimas en el fondo de la coda de sintetizadores que nunca escuché. Hasta ahora es la que más diferencias tiene con las versiones anteriores. La voz de Taylor tampoco está tan omnipresente como en los remasters viejos, tal vez por eso ahora podemos oír al resto de la banda.

Otro hallazgo es Don´t Try Suicide. Al inicio de la canción Freddie hace la gran McCartney en I Will. recuerdan como imita el bajo con la boca? bueno, acá hace lo mismo. Eso no existía en las versiones regulares o estaba lo suficientemente tapado. El bajo de John es delicioso. Los coros de Brian se escuchan por fin, como deben ser. Porque Brian también cantaba. A la izquierda, el de rulos cada vez que se dice "Don´t try suicide". Genial el tratamiento que se le dió a los coros. Es lo mejor de la canción, y por ahí aparece una buena acustica que antes no se escuchaba. Los "you got it", también claramente mejorados. Como siempre el bajo de Deacon, más presente que antes.

La hermosísima Sail Away Sweet Sister siempre me deja maravillado. Es un pedazo de balada. En estas versiones la guitarra a ambos lados, un bajo arpegiado con excelentes notas, al centro, y la voz del rulos más fuerte que antes. Freddie cuando participa, se roba la canción, eso ya lo sabemos, pero además los solos que siguen a su intermezzo, están en un brillante tratamiento stereo. Los coros son mucho más nítidos que antes, y el arpegio final de Deacon que es hipnótico, se prolonga más en el tiempo.

Coming Soon está excelente. Es una locomotora 5.1, impresionante el laburo que se tomaron! Estoy anonadado por la textura que tiene Coming Soon versión 2011, es brillante, una verdadera toma totalmente nueva de la canción. No sé por donde empezar. Tal vez, por el trabajo sobre la batería, que adquiere vetas 3D nunca antes oídas. Las guitarras danzarinas, como siempre, y Freddie cantando por ahí en el medio.

Save Me, en el momento del primer verso de Fred, tiene un eco genial (poco audible, de todas maneras), las guitarras aparecen a ambos lados, totalmente prístinas, rebosantes de calor y melancolía. Y después, Taylor, con un golpe brutal. La bata está refuerte jaja. El piano de Brian, sobre esta base, también está subido de volumen. Los coros del segundo verso aparecen como nunca, nunca oídos, y un laburito sucio de Deacon, lleno de arpegios monumentales, y un virtuosismo bajístico impresionante. Al solo de Brian, todos estos cambios de la canción lo han opacado un poco. De todas maneras, no sería un mal resultado, que se escuchen todos los componentes de la banda al tocar la canción en lugar de la mega preponderancia de un sólo integrante. Eso es algo que parece la regla en los remasters 2011.. al traer a Deacon más adelante y mucha más presencia de Taylor, Brian y Freddie, si bien tienen lo suyo, han perdido el liderazgo musical de la banda, por así decirlo. John y Roger demuestran en estos discos que son el alma y pulso de Queen.

El EP tiene unas megajoyas raras que nos sacuden un poco la mente. Una versión genial con guía vocal de Brian en Sail Away Sweet Sister, puro estudio, y se nota que recién están empezando a tocar la canción. Además, tenemos esta idea espontánea que es It´s A Beautiful Day, más conocida por su presencia en Made In Heaven, pero que data de estas épocas de The Game. Bellísima canción y un obligatorio para cualquier fana de Queen. Por supuesto, las molestas versiones en vivo, rellenan el EP.

A Human Body, el necesario B-Side, ahora parece haber sido retocado en sus estéreos, lo que da como resultado un buen EP en la global.

Link!
http://lix.in/-9f347d

Queen - Jazz (1978) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-07-29T15:04:00.003-03:00

Vamos a escuchar Jazz. Aclaro que va a ser difícil vencer mi preconcepto sobre que se complica superar al remaster de NOTW. Siempre que hago estas reseñas, lo hago mientras escucho el disco por vez primera. Y realmente, últimamente es así, todos los álbumes re escuchados, revisitados como si fuera la primera vez. Todo un proceso de descubrimiento.

Vamos a lo nuestro.

Mustapha, Mustapha, Mustapha Ibrahim (?) Suena un poco más fuerte el bajo en el inicio de esta pegadiza y extraña canción. Es sorprendente cómo han mejorado los estéreos, y se nota tanto la diferencia entre el verso de la canción (frontal en tu estéreo) y el desacato musical que sobreviene tras los "HEY!" de Freddie, con una polenta que antes no había. Las guitarras aparecen a ambos lados de manera kaleidoscópica. Impresionante.

Fat bottomed girls, en primera, tiene esa corrección que pedía a gritos, donde parecía habérsele resbalado el dedo al láser, ha sido eliminada esa patinada que aparecía al principio de los coros en las ediciones argentinas.

La parte en donde comienza a tocar Roger ha sido separada en otro plano totalmente distinto, lo cual agrega otra profundidad a la canción, con la guitarra a la derecha completamente discriminada. De hecho, la batería del inicio de la canción está sola, ha dado otro espíritu a la composición. El resto de la canción suena similar a los remasters anteriores, pero con las violas más altas y el bajo un poco más realzado, pero sin exagerar.

Power ballad, monster ballad. Jealousy es un tema a analizar por la línea de Deacon. Sin embargo, Freddie está mucho más presente que antes, toma el liderazgo vocal, con su trinar de pájaro que me eriza los pelos. Ahora podemos escuchar a Roger en esta canción, con sus bombos de pie por lejos, dando otra fuerza a la debilidad melancólica de Jealousy. Todavía no dije nada de la batería de este disco, que a mi juzgar era muy aguda, muy apagada, muy acartonada. Creo que esto del remaster ha disimulado totalmente lo que se pudo, y ahora Roger tiene otra presencia en el disco. Punto a favor de Ludwig.

Bicycle Race tiene fuerte presencia Deaconiana y ese intermezzo bicicletero que vuela los pelos, lo mismo que el solo. En las ediciones Toshiba, cierta vez, había destacado las características espiraladas del solo de Brian en la canción que no se notaban tanto en las ediciones de 1993. Pues bien, acá están. Los coros graves de Freddie al inicio se notan mucho mejor, también. Los coros formidables, están notablemente desperdigados por toda la canción, en lugar de ser una sola voz, como antes. Genial. Los licks de Deacon son audibles como nunca, ¡hasta los resbalones que pega de nota en nota! Los platos de Rog están mejor estereotomizados, también.

Keep your chin up, el disco no terminó. La batería de If You Can´t Beat Em nunca me gustó, pero ahora al menos tiene mucho bombo, como necesitábamos para realzar la rola de Deacon. Deacon es Dios. Mensaje subliminal. Deacon es Dios. Su bajo aparece. Deacon es Queen. Mensaje subliminal. No puedo deshacerme más en elogios. He ninguneado el solo de Brian, que aparece por planos y planos, de un lado a otro, con cada entrada guitarrera nueva. Eso no estaba, la división de la guitarra a la hora de hacer los solos, y la coda final súper glaseada (ya tomé un nuevo nombre para el efecto del final), que está mucho más realzado y tiene unos vaivenes que llegan al punto del mareo físico jaja. Da la sensación de profundidad, de 3D, como me gusta decir.

Let me entertain you en su guitarra inicial, presenta lo que yo llamo el efecto "Jack White". El líder de los White Stripes, tiene la costumbre de hacer sonar las cuerdas de la guitarra sin amplificar mientras sale el producto final sobre el amplificador. Brian, acá hace lo mismo al principio, podemos sentir el rasgueo de la guitarra sin amplificar, ese rejunte de cuerdas que tocadas sin efectos es bastante irritante. Esa pequeña apostilla no existía. La batería está mucho más fuerte. Y bueno, el puente de Deacon es una cosa de locos. Deacon es Queen. Mensaje subliminal. Los coros con mucho estéreo "Breakfast at Tiffany´s... sing to you in Japanese". Y un Freddie que canta tan adelante que parece que te escupe.

"I always wanted to be Freddie Mercury".

Dead on time suena como en el vinilo, con mucho bajo. Está todo más fuerte, sólo que las violas de May corren por los mismos canales que los coros, en absoluto estéreo. Hay cosas nuevas en las guitarras, que antes no se escuchaban. Y el piso que ofrece el bajo no existía... che, me está gustando este remaster, ha levantado Jazz un 70% de su versión fría y apagada de 1993. El trueno final, suena como si lo tuvieras arriba de tu cabeza. Impresionante, efecto que sólo oí en un disco de Waters (What God Wants pt.I). Excelente.

In only seven days. Está todo más fuerte, voz, bajo, batería. Tal vez, en las versiones anteriores lo que más destacaba era la guitarra. Ahora ha quedado más balanceada. La guitarra acústica suena realmente bien, algo similar a lo que pasaba en White Queen.

Llega una favorita, Dreamer´s Ball. Music Hall. No noto demasiadas cosas nuevas, excepto por que Freddie canta cada vez más cerca mío. Los coros, están logradísimos. El solo de guitarra está excelente, está pulido, está muy pulido. La mejora es eminentemente para lo que corresponde a Brian, es una verdadera canción de guitarra.

La previa a la incursión de la banda en la música disco, la inicia Taylor, con Fun It. Esta rola bailable, está lista para ser escuchada en 5.1, las guitarrás atrás y arriba, la bata adelante, y nosotros en medio. El cacareo de May... la canción de la gallina. Deacon suena un poco más que antes, también. Lo que no sé es cómo logra ese efecto de batería Roger sin usar sintetizadores. Hay un par de coros que se han estructurado distintos. Es sorprendentemente notoria la mejoría de Fun It. Como mejora global, puede que sea el tema que más dedicación y trabajo tenga de todo el remaster de Jazz. Por ende, tal vez esté por colgarle la cinta al mejor track de la lista. Es un tema verdaderamente nuevo.

Leaving Home Ain´t Easy (otra favorita) era una canción que me sonaba "sucia" en los remasters anteriores. No sé si era por los efectos de voz, o las guitarras acústicas que sonaban un poco apagadas. La voz de Brian, por empezar está bastante más fuerte que antes. Suenan unos arpegios de Deacon que antes no se escuchaban. Esos coros distorsionados nunca me gustaron, pero uno acá presta más atención al bajo, que aparece como un refuerzo importante. La balada ha cambiado mucho.

El bajo en Don´t Stop Me Now es una cosa a redescubrir. Muy bien puesto. Aprendan ingenieros de sonido, sin un bajo las canciones son feas, apagadas, tristes. La línea de Deacon en esta canción le da otra cara, tiene una polenta que no tenía. Sigamos la canción de Deacon, por favor, se roba todo el protagonismo del remaster. La voz del genio Freddie y su piano suenan más fuertes y los coros antes de "explotar", están bien logrados, totalmente distintos a los de antes.

More of that Jazz también ha sido notablemente mejorado, la batería es una mole. También noto elementos de percusión (maracas?) a la izquierda, cosa que me resulta totalmente novedosa. La viola de May también tiene otra presencia, aunque un poco tapada por el plano del bajo. Se nota la química especial que hay entre Brian y Roger en esta canción, es básicamente un boludeo entre ellos. Y bueno, el flashback que hay en el tema al final creo que es un caso inédito. Parece el final de algunas películas. Más comercial, imposible. De todas formas, es un hallazgo. El tema termina, lo mismo que el disco, en una altísima fidelidad.

Vamos a hablar un poquito del EP.

La versión single de Fat Bottomed Girls es la que sale en los Greatest Hits que ya han sido los primeros en ser retocados por Ludwig. Por eso, la aclaración vale para el segundo análisis de este disco, más arriba.

Luego tenemos algunos hallazgos. Una versión instrumental formidable de Bicycle Race, que no sé de dónde han sacado, pero suena genial. Me recuerda a la versión de Tie Your Mother Down. Es la misma canción sólo que sin voces ni coros. Nos permite apreciar la canción desnuda, interpretada por los cuatro monstruos. Acá se notan las cositas que metía Deacon, como lo analizé en el apartado de Bicycle Race más arriba. Interesante para añadir a la colección.

La versión de Don´t Stop Me Now con guitarras que sigue a continuación es todo un hallazgo. Tal vez, estas violas han sido retiradas porque se nota que es un exceso de sobregrabaciones. De todas maneras, muchas de estas guitarras están en la canción como salió en el disco, sólo que tal vez, muy lejanas. El solo es bastante distinto, más similar a lo que Queen venía haciendo en vivo. Mucha más guitarra que en el álbum.

La versión de Let Me Entertain You de Montreal 1981 entra dentro de la clasificación de "relleno". Muy buena versión, pero innecesaria.

Y la pieza final, totalmente desconocida, esta versión de Dreamer´s Ball, exagera los conceptos vertidos antes.. es una buena muestra de cómo va creciendo una canción hasta convertirse en parte del disco final. La línea vocal de Freddie acá es excelente, mucho más descontracturada. Una linda pieza, aunque lleva el título de "early", mantiene todas las partes de guitarra que luego serían arregladas para poner en el disco. En un clima íntimo, es así como termina el EP, que como resultado global, es bastante bueno, a pesar de la insistencia con poner temas en vivo de diversos discos o DVDs ya editados previamente.

Y así concluye Jazz. Otro favorito, y el último antes de que arrasaran los ochenta.

Debo calificarlo, me parece que ha mejorado muchísimo el producto final, respetando la estética del vinilo, pero en otros casos, pujando para emular el sonido 5.1, como en los casos de Mustapha, Fun It, Jealousy y More of that Jazz.

El disco ha mejorado notablemente. Y es obligatorio para todo fan de Queen.

Se viene The Game. Un disco que ya sonaba muy bien en los remasters de 1993. Veremos con qué nos encontramos.

Acá te dejo el link, tras ripearlo con Exact Audio Copy en formato .wav :

http://lix.in/-a67bfc

Llevátelo.

Al final de las reseñas actualizo los posts con las portadas.

Queen - News Of The World (1977) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-07-28T14:12:00.001-03:00

Hola que tal, vamos a analizar y masticar un poco esta megajoya que es NOTW, mi disco

favorito de Queen (?) si tuviera que elegir sólo uno (?).

Como postre a A Day At The Races, y la eclosión del punk británico, la banda tomaría una carretera mucho más cruda y rockera, desdeñando por un momento la refinación técnica y la superproducción (aunque, de todas maneras, esa refinación es una etiqueta de Queen haga la música que haga). Dale, pongamos play.

En We Will Rock You está un poco más alta la voz de Freddie y se logra un sonido de ambiente avallasador que antes no se notaba. Me rompió el alma este disco desde el arranque.

Creo que es la primera vez que puedo escuchar algún tipo de estéreo en We Will Rock You. Me gusta la voz de Freddie más fuerte que antes. En las ediciones regulares, se lo notaba como "tapado" entre tanto paso y palma.

En We Are The Champions, Deacon empieza con su clásico tándem con Freddie, ahora sí, con el volumen correcto (o sea, bajo más realzado). Mágicamente, esta canción emblema de Queen, ha dejado de saturar. Ahora podemos escuchar las violas bien en estéreo y cada instrumento con lo suyo. Por momentos es el piano del que podemos sacar algunas cosillas que antes no se notaban; pero la mejora en sí es la del volumen. Ha dejado de saturar esta canción. Siempre me desconaba los bafles. Pues eso no pasa ahora, ahora puedo dar lugar a escuchar cada una de las partes violeras y de piano que son las que dan vida a esta hermosa pieza musical.

Sheer Heart Attack, ha dejado de ser un pegote para transformarse en una canción totalmente distinta. La viola está en 3D, como las películas ja. Sobre la base de batería y segunda guitarra, un coro de ángeles malditos hijos del punk bailotea por encima de nuestras cabezas, y la guitarra de May, danzarina ella, se siente mucho mejor que antes. Es como si Ludwig para este tema, hubiera repetido la fórmula de las violas de I´m in love with my car.

Ese multitrack listo para ser pasado en DVD ha dado otra dimensión a Sheer Heart Attack.

Viene buenísimo este disco, che. Hasta la batería cambió, hasta el insoportable ruido a (robots distorsionados?), la viola punk es una maza que te vuela las orejas. Un verdadero

hallazgo. Tiene mil cosas Sheer Heart Attack, versión 2011.

All Dead All Dead, nos trae a un Brian mucho más fuerte, cosa que pedíamos a gritos. La voz

del rulos está al mismo volumen que la de Freddie. Lo pedíamos a gritos. Y esa bata que me

encanta, con ese golpe seco, configuran una de mis canciones favoritas de Queen. Y sino la

mejor de Brian May, por ahí cerca. Me eriza los pelos. El verso "I´m old but still a child"

y un par de líneas más, están dobladas, ahora se nota que la voz de Brian está doblada.

Sacudimos un poco la atónita cabeza, para Spread Your Wings...Canción de Deacon, con su presencia, como siempre, justificando la compra del disco. Me gusta el golpe de Roger, está mejor la batería en todo este disco, la noto mucho más presente. De todas maneras, y esto a título personal, quiero decir que, si bien el mismo Rog ha dicho que su disco favorito ha sido Sheer Heart Attack, yo digo que éste disco es el que nos muestra al mejor Roger Taylor. No sólo por su versatilidad, sino porque pareció encontrarle el sonido ideal a la batería. Una bata mucho más rockera que antes. En los remasters regulares ya se notaba, así que ahora no es la excepción. Ahora está como más acoplada al resto de la banda, yo notaba a la batería en los remasters de 1993 más roba-protagonismo que ahora. Es como que Ludwig ha equilibrado estos cuatro componentes de manera balanceada. Hay una sorpresilla en la coda, para Spread Your Wings.

Hey you, boy, hey you!

AGUANTE ROGER TAYLOR !

Ya que estoy en esto, quiero saludarlo por su cumpleaños que fue hace un par de días. Y rendirle tributo.

Fight From the Inside es clásico. Clásico = que da clase. Es una cosa de locos. Muchachos, hay que redescubrir a Queen. Pongan este disco a sus hijos, a sus hermanos, a sus vecinos.

Este tema es excelente. Su remaster no hace más que confirmarlo. El riff es un mazazo con esas guitarras bailarinas, esos chisporroteos del penique-púa de Brian, Deacon se pasa, la batería es una locomotora, Taylor canta como si no hubiera mañana. Los estéreos están buenos, pero qué me importa, he perdido la capacidad de análisis, es una mega rola! No quiero técnica, quiero crudeza. Es un rock excelente. Esto es Queen, esto puede ser Queen, una máquina asesina. Me cago en los críticos que dijeron boludeces sobre que Queen no hacía rock. Por favor, en qué planeta estaban, muchachos. Momento, voy a poner repeat..

Y ahora, me queda un poco de aire para Get Down Make Love. No, tema completamente nuevo. Guitarras que antes no existían, unos formidables estéreos envolventes. La excelente producción de Taylor. Las voces de Mercury, el bajo de Deacon. Mierda, que han estado creativos estos muchachos en 1977. Estoy transcurriendo por los últimos dos temas y creo que estoy asistiendo a una sobredosis de metal.

Digo que Get Down Make Love está más fuerte, también, pero es otro tema. Estos remasters de Ludwig, con la nuencia de Taylor y May, no han hecho otra cosa que confirmar que este disco es épico, que es puro rock and roll. Tal vez, como ningún otro de Queen. Es pura vena.

Parece que los Queen se disfrazaron de Zeppelin.

Y llega el turno del blusecito. La voz de Brian está mucho más alta, otra deuda que los anteriores remasters no habían saldado. Taylor se dejó el parche en el bombo desde los últimos tres temas, pero no importa, nos encanta. Súper John, se nota mucho más, hace un temazo con su bajo.

Che, poco dije de Freddie. ¿Será que éste disco es más de los tres restantes? Es un disco de

Queen. No de Mercury + 3. Todavía no tengo nada para destacar del Bulsara.

Who Needs You. Canciones autorreferenciales si las hay. En el remaster de 1993, también estaba esta cosita del estéreo exageradamente marcado. La voz de Freddie a la derecha, las guitarras, maracas y elementos de percusión a la izquierda. Sólo que ahora, los coros de Fred vienen apareciendo desde atrás. Oh Muchachos, se escucha mucho más alta la voz de Mercury y otro dato más; el bombo de Taylor está presente como nunca. podemos verlo con las orejas, pegando con el costado del palillo en el canto del redoblante. Tal vez, estos remasters tienen esta capacidad de transportarnos a la cuerda, a la vibración, al átomo de la interpretación de una canción.

Ya no puedo seguir. Necesito parar dos segundos. News Of The World es un cachetazo al alma, un monumento al espíritu rockero y a la historia de la música.

Dale, Deacon, dale al bajo, que se siente. It´s late tiene cosas en el bajo que nunca escuché. Loco, estos vagos son una máquina. La guitarra está un poco más escondida que en el remaster anterior. o tal vez, será que Deacon y Taylor han robado todo el protagonismo en It´s late. Hay que meterle una patada en el orto a Chris Squire. Deacon es el mejor bajo de la historia jaja. Bueno, casi. Hay otros bajistas muy buenos, pero John me llega mucho más por otras razones. Brian le da rienda suelta al rock, Brian es el rock. Este mega riff ha salido de su cabeza. Se manda un súper solo, pero ya estaba lo suficientemente presente en el remaster anterior. Lo que me sorprende de It´s late, son el bajo y la batería. La voz de Fred también está un poco más alta, pero a estas horas del disco, Mercury es un verdadero accesorio.

Bueno, no tanto. En algún momento tenía que llegar su hora. Y es la hora de la melancolía

Raycharleana. Siempre me gustan los blues con acordes menores, le dan una impronta menos diabólica, más reventada, más depre que de costumbre. Sobre todo si hay Fas y Las Bemoles y Las Bemoles menores, que hacen de esto un encanto para los oídos atribulados. La interpretación de Mercury es genial, over-the-top, apareciendo tarde en el disco, pero con su característica presencia. El piano está FUERTE, y la voz también. Como debe ser. Y las trazas de la batería - o mejor de las escobillas de la batería- tienen un estéreo que antes no existía.

No tengo nada para decir de este disco, en cuanto a su remasterización. Tal vez es uno de los mejores al momento.

No tengo tiempo para quejarme de los EPs. He quedado extasiado con NOTW. Aparecen algunas perlitas, como Feelings Feelings. Suena mucho mejor que lo que la conocía. No sabemos de qué época es este demo. No sabemos nada de esta rareza. No parece el Freddie de los 77... parece un Freddie más jovencillo. Pero eso nunca lo sabremos. Ni siquiera lo saben los miembros de la banda. Y se encargan de aclararlo en el librito del álbum. Joya joya el primer tema del EP.

Las versiones de la BBC de Spread Your Wings también dan una buena alternativa a las editadas en el disco, de hecho, SYW está mas rockera, con pifias y virtudes; y remasterizada. La versión de Melancholy Blues es hermosa, me encanta. Esa canción es exquisita, era necesario tenerla en el EP. Freddie canta desgarrando su garganta, como debe cantarse el blues. Y se notan los nódulos, ya su voz empieza a verse afectada por el uso -y el pucho- jeje. Se pega una tentada al final que es brillante, cómo no reírse con él.

Una gran versión en vivo de Sheer Heart Attack y la clásica detestada We will rock you versión rápida, de 1982 (o sea, nada que ver con 1977), cuándo no, están presentes. Falta que pongan una versión de Q + PR en Ucrania en los proximos discos.

Más allá de lo discutible eternamente, en este caso en particular, no tengo mucha queja con el EP, acepto que no es lo que uno espera como colección global, pero me basta y me sobra con News of The World (el álbum), y me conformo con estas pequeñas joyas sobre todo las tres primeras del EP.

Acá les dejo el link de FS, y como es costumbre, ya subiré las tapas, cuando acceda al escáner. También les dejo algo extra para que lean..

http://es.wikipedia.org/wiki/News_of_the_World_(%C3%A1lbum) ... y la Rolling Stone le dió dos estrellas a este disco. SON UNOS IDIOTAS.

En breve, se vienen los tres álbumes restantes de la segunda tanda de discos.

CD + EP:
http://lix.in/-9ecf15

Queen - Hot Space (1982) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-07-26T15:15:00.001-03:00

Hot Space, let´s go! Vamos a analizar un poco el bailoteo general que produce el disco en el lado A, aunque bueno, es difícil reseñar algo que está hecho y manufacturado para entretener y ser pasado en las discos del momento.

Cierta vez, a los tipos del resto de la banda les gustó bastante poco el nuevo rumbo que toma Queen tras el suceso de The Game. Digamos que este disco tiene mucho de Freddie, de hecho creo que es la semilla de otras producciones como Mr. Bad Guy. Aparte, hay dos muñecas que no se ven tanto pero están muy presentes. Hot space tiene la mano de Michael Jackson, Hot Space es una versión queenera de Thriller. Y David, el maestro Bowie, pone lo suyo, en los dos últimos temas del disco. Aunque Cool Cat con su voz nunca se dió a conocer oficialmente (deuda pendiente no saldada en los EP, así como las versiones largas de Back Chat y Staying Power, o las versiones alternativas de Life Is Real)

Staying Power, ahora sí tiene power. Tardaron treinta años en darle un estilo disco a esta canción! A veces, en el mar de sintetizadores, se pierde un poco de groove, y noto mucho eso en esta remasterización. Tiene mucho punch, y los estéreos, como una constante en todo este laburo de Ludwig, son impecables. Hay un par de sintetizadores que antes no escuché.

Dancer está notablemente más multitrackeado, hay voces de Fred que no se escuchaban. Como me gusta decirle: el "Dragon Attack" disco, tema de May, tiene reservadas algunas sorpresitas para nosotros...

El genio de Deacon y su Back Chat, nos transportan a Studio 54 y los temas de Chic. Esa línea de bajo altamente pegajosa, nos muestra que el silencioso era bien dado a la música pop. De hecho creo que este disco es muy disfrutado por Deacon, lo mismo que por Freddie. Los rockeros de May y Taylor, no habrán estado nada cómodos con estos rumbos, como antes mencionaba.

El remaster de Back Chat es un punto alto del disco, como producto. Hay voces más adelante, un excelente eco a ambos lados, mientras Fred canta que antes no se sentía. Y bueno, ahora Deacon se luce. Podemos seguir perfectamente la línea de su riff sin perdernos en el mar de sintetizadores. Las violas finales ahora se escuchan y van a ambos lados, como antes no pasaba.

Y hablando de riffs, este bodrio que es Body Language, tiene esas dos cosas rescatables: el riff de sintetizador, y el puente que me encanta. El remaster es genial, pero el tema es una cagada. Y no por representar la cultura sexual ochentosa que no me desagrada para nada, sino porque no aporta musicalmente demasiado. Es un juego del Fred y nada más. Pero bueno, que te voy a decir, hasta los más grandes derrapan.

Aparece Taylor con Action This Day y algo mejor que Body Language, otra vez, con un buen trabajo de remasterización. El riff violero se siente un montón, y eso está bueno. Como que tiene otra textura en la versión 2011. La parte con el sintetizador y los estéreos más el solo de (¿trompeta sintetizada WTF?) zafan bastante. Me gusta el riff, la onda punch del tema, pero no hay mucho más para decir. El EP en este caso, nos tiene reservada una sorpresa, y es la versión en vivo de esta canción.

Put Out The Fire. Un riff de la hostia, Deacon toca el bajo, y May se pasa. Esto es Queen. Aparece May, señores, con toda la cosa. Los estéreos violeros han sido notablemente ajustados. Siempre le pedí a este tema que estuviera con más poder dentro del disco. Creo que ahora se ha hecho justicia. Suena increíblemente más rockero que antes, porque lo han subido un poco a Deacon. La segunda guitarra mientras Brian hace el solo, ahora se escucha genial en el canal izquierdo. No solo está más arregladita, sino que tiene cosas que antes no habíamos oído. Será un disco pop y r&b, pero tiene esta rola que parece sacada de News of the World.

Simple little moving song. Han mejorado el piano y la bata en Life is Real. Es uno de los temás que más me gusta de Queen, por su lírica y su sentimiento. Hay arpegios de bajo agudos en "success.. is my breathing space" y toda esa línea que antes no sólo no se escuchaba, sino que ni siquiera parecía existir. Golazo el hallazgo de esas líneas de Deacon. Probá esto: tratá de seguir el tema cómo lo va tocando John Deacon y después me contás. Está lleno de fills y armonías. Ahora, escuchando Hot Space 2011 te digo, que es una de las mejores interpretaciones de Deacon. Aparte, porque la canción es buenísima, musicalmente.

Life is a bitch. Life is real, so real.

Siempre me gustó el ultimo platillazo de Taylor antes de terminar el tema.

Volvemos al plano más popero con Calling All Girls. Tema re pavo, de solo tres acordes y no mucho más. Pero muy easy listening. Otra vez Deacon, aparece metiendo cosas copadísimas que jamás escuché antes. Creo que en este disco, que no tiene demasiado virtuosismo de parte de May, que es de quien esperamos siempre la cosa genial, es Deacon el que le pone el feeling total a la placa. Es todo un hallazgo el rol de John Deacon en Hot Space. Así nomás. Lo banco a morir.

Tras el subidón de éxitos en 1980, las giras por Sudamérica y el rápido declive que trae consigo la fama mundial, los muchachos han devuelto un poco el afecto que sentimos por ellos y que supimos motivar tanto como para que nos dedicasen una canción. Si Teo Torriatte es un tributo al hermoso Japón, Las Palabras de Amor es un homenaje al cariño sudaca. ¿Movida comercial o sentimiento puro? Nunca lo sabremos, lo cierto es que May, su compositor es un tipo muy afecto a estos pagos y se defiende bastante con el idioma. Tal vez volcó todo eso en esta pequeña balada.

Sobre su técnica, encuentro en el primer verso a Freddie... como si estuviera en dos canales distintos con una pequeña demora que hace un efecto buenísimo y un poco más fuerte que antes. Los sintetizadores tienen una buena postura estéreo. El segundo verso carece de ese tratamiento de la voz de Fred. No sé si es porque se olvidaron, o porque la canción es así. También tenemos la batería más nítida y presente sobre el final de la canción. El solo del final, un par de falsetes de Freddie que antes se hacían indistinguibles, configuran un gran laburo de remasterización.

Llega el groove total. Cool Cat no admite ningún tipo de contras. Es uno de los temas más funk que conozco (y eso que soy fana de Parliament). ¿Qué decir de Deacon acá? ¿Qué decir de Freddie? Este disco es de ellos dos, te das cuenta en este tema. Lo de Deacon es asombroso. Ahora se escuchan los fills, los slappings. Hacé ese ejercicio, seguí el tema que toca el bajo. Está a un nivel superlativo.

Bueno, el tema 11 ya sabemos cuál es. Parece como sacado de contexto, fuera del disco. Amén de las anécdotas al respecto, de que por ejemplo, es casi la unica vez que canta otra persona en un tema de Queen. Que tiene uno de los riffs de bajo más simples y universales de la historia.

¿Sabés que se escucha mucho? Las palmas del principio, los chasquidos y ruidos con las manos, se distinguen mejor que antes de la batería que suena junto con ellos.

That´s ok.

Las ayudas vocales de Bowie, esos coros, suenan mucho mejor que antes. Y, oh sorpresa, atrás del grito de Freddie, en el puente, ¡había una viola distorsionada! nunca escuchada, totalmente nueva. Golazo de Ludwig. Misteriosamente, más allá del riff, me cuesta encontrar el punch deaconiano en esta rola. De todas maneras, no creo que sea un problema del remaster, es que estaba muy mal acostumbrado a que JD me marcara el paso del disco.

Así que así termina Hot Space. Como global, es un disco que está muy bien remasterizado, como hasta ahora, todos vienen estando. De hecho, es un álbum que en su edición regular, sonaba bastante plano, y ahora tiene texturas y profundidades distintas, pese a ser un disco netamente casi con exclusividad, al menos al principio, bailable y con mucho sintetizador.

El EP es bueno, pero discuto los resultados; no me alcanzan cinco temas, había circulando un par de versiones demo, entre ellas, la de Life is Real que suena muy bien y merecía estar en el EP. Pero misteriosamente, no está. Tampoco está ningún demo de Cool Cat, ni tampoco el demo de Under Pressure con Bowie, y mucho menos el famoso "Feels Like", un pre-under pressure. Lo dicho, tampoco están las versiones extendidas de Staying Power ni Back Chat. Y ahora que recuerdo, tampoco hay nada de Action this day. Tenían los demos de todo el disco practicamente, y solamente metieron dos buenísimos hallazgos, nunca oídos de un recital de la gira del disco en Tokio, con dos fabulosas versiones de Action this Day y Calling All Girls que son de revista obligatoria. Y por supuesto, Soul Brother. Es decir, aplaudo la decisión, pero este EP era especialmente jugoso para meter al menos, tres o cuatro temas más.

También aparece en el EP el recontrapesado Live At The Bowl, que estoy re podrido de escuchar, con la versión (muy buena) de Staying Power. Pero no me ofrece nada distinto. Ya tengo el Bowl, ya tengo el Wembley, la puta madre!

Quiero decir, la puta madre. Ante quien corresponda: PONGAN DEMOS Y RAREZAS Y DEJEN DE BOLUDEAR CON LOS RECITALES!!!! Ya voy perdiendo la fe con The Miracle entonces. Estoy un poco decepcionado con el contenido del EP de Hot Space. Había cosas para meter, había muchas cosas más que las cinco excelentes decisiones que hicieron. El EP tiene el tamaño de un CD. No te pido que me lo hagas durar 80 minutos, te pido que dure 40 y metas 8 o 10 temas en lugar de cinco cuyos tres más importantes son de recitales. Es decir, no estoy en contra de eso, pero Hot Space tenía un montón de cosas para poner, me decepcionó bastante el contenido, no la calidad. Espero que se entienda. Sepan disculpar los exabruptos pero a veces, me siento indignado jaja.

Y así concluye lo que para muchos es el peor disco de Queen. Pero nunca, en la vida, podría salir de mi boca semejante afirmación. A mí me gusta mucho Hot Space.

La seguimos en breve. Saludos!

Link al LP + EP : http://lix.in/-9d274a

PD: Luego subo las tapitas...

Queen - 2da. tanda de discos

2011-07-26T12:44:00.000-03:00

Buenas...

Dado que estoy consiguiendo de a poco los discos, y el primero de la segunda tanda es Hot Space, se está demorando el procesamiento de los mismos. Si aguantan unos días, salen las subidas propias. Si me demoro demasiado, empiezo con Hot Space y después ordenaré los discos por orden de aparición.

Quédense dando vueltas, que salen con fritas....

Saludos amigos!

Elogio a la Artestesia

2011-07-14T09:42:00.002-03:00

Quiero expedirme brevemente sobre los dichos del máximo Fito... en realidad era un postito que tenía en mente antes, pero aprovecho que el tema está en la picota como para sumar mi voz, entre las millones que existen.

No quiero entrar en juzgamientos sobre la ventura o no en la índole económica de los artistas durante los últimos años de nuestra conducción política. Pero es cierta una cosa: con la excepción del sospechoso periodismo corporativo, y unos pocos hombres buenos, todos tenemos un sayo donde caber.

Quiero decir con esto que el genio de Páez, no va a dejar de gozar de mi entera simpatía como artista, como creativo, como maestro musical que es.

Pero en esta, no lo banco para nada, porque creo que, además de cagarse en la democracia que tanto se defiende últimamente, tomando posturas tribuneras, también representa una pequeña muestra de cómo están las cosas en el ambiente "artístico" e "intelectual" del momento.

Vengo sintiendo ciertos olorcillos a conformidad. Conformidad política desde el plano artístico, en general. León ya no es Dylan y nadie se muere de hambre en Tucumán ni en Chaco; Dolina ha tomado posturas políticas irrisorias del tipo cuasi-mafiosas y hasta graba spots publicitarios bancarios, Feinmann está totalmente consumido por su comparación filosófica y psicoculturalista sartreana tratando de hacer encajar todo en la postura K. Muchos de los periodistas aplauden sin preguntar, otros tantos dizque analistas o como me gusta decir, radiógrafos de la sociedad, están cómodamente sentados en el living de su hogar.

Quiero decir; noto un grado de anestesia artística importante y sobre todo en la música. ¿Se imaginan qué hubiera sido si los Clash o los Pistols hubieran sido personas adictas a la Corona? ¿Dónde está la actitud punk argentina? ¿Es que está todo bien?

Yo particularmente, escucho a Dolina, veo a Feinmann, tengo todos los discos de Fito, me encanta León, y no soporto a los tendenciosos de TN.

Y puede ser que ya no existan los Charly, los Attaque, o los Redondos en un plano más metafísico. Pero tampoco ha surgido algo más digno que la cultura del reviente, la sensación de falsa alegría y la abstracción política, en el mejor de los casos. ¿Qué está pasando con el artista argentino? ¿Será que se ha basado únicamente en la variopinta negación del proceso militar y nada más? ¿Será que vanagloriamos a Sui y a Serú solamente por su inventiva a la hora de criticar con toda el alma la persecución del libre pensamiento?

Ya el mismo Charly, cuando solista, vio como en los ochenta y los noventa el capitalismo yuppie consumista caía sobre todos como una bendición, y las cosas empezaron a tranquilizarse. Capitalismo consumista que los milicos supieron conseguir. Y nadie me saca de la cabeza que ésa fue la verdadera razón de la barbarie.

Los climas se trasladan al artista, que es humano. Está bueno tener siempre una referencia. No digo que todos deban ser anti-, de hecho, la música apolítica está bastante buena, lo digo yo, que soy fana de Queen y otras bandas que nunca hablaron de política en sus canciones. Pero no tener una referencia de la contracultura, nos quita poder de comparativa, nos moldea en un plano de conformidad absoluta. Y no está bien, no puede nunca estar bien. Es una idea bastante superficial de la justicia social, o de la verdadera entraña de una sociedad el hacer la vista gorda sobre muchos procesos que sucedieron y suceden en nuestra bendita Argentina.

Tal parece que el artista responde a la moneda, y eso es lo que más duele. No quiero saber cuánto han cobrado los artistas que actuaron en el Bicentenario. Me huele a que nada es gratis, y me puede dar lugar a sentir o a pensar, que la única opinión que vale, es la del poder del dinero.

De todas maneras, en última instancia, eso no es lo más importante, lo más importante de este pequeño punto de vista, es que, a ojos vistas, la tendencia artística está adherida como un quiste a una corriente política determinada. Eso no puede estar nunca bien.

No defiendo a Del Sel, no defiendo a Macri ni mucho menos, de hecho en el plano ideológico, odio a los fachos de ultraderecha, pero Macri y Del Sel no son los únicos defensores de un modelo que atrasa y mucho menos son los fachos de ultraderecha... al lado de algunos, son verdaderos bebés de pecho.

Sé que la capi es netamente antiperonista, y siempre lo fue. Pero de ahí a derrapar (con una prosa hermosa, pero es derrapar igual) y descalificar lo mismo por lo cual Fito luchó, en el plano artístico durante muchos años de su vida, que es el ejercicio liso y llano de la democracia, porque la gente mal o bien, equivocada o no, votó, me parece un desatino. De hecho es una postura bastante antidemocrática.

En el juego de la defensa de los valores democráticos, es una postura antidemocrática y bastante superficial. No hay palabras que adornen la superficialidad, porque el análisis que hace Fito no deja de ser tribuna o café. Lo mismo que el mío, tal vez.

Pero bueno, el punto era justamente ese, opinar al respecto.

Cuando veas a la Bersuit, gran banda también, cerrando la campaña del ex-gerente de AQRO construccciones SRL, vas a ver lo que te digo. La argentinidad al palo.

Es que somos así, argentinos. Siempre meando afuera del tarro. Así como una persona que demostró improbidad y malicia en el ejercicio de la gerencia de una empresa puede darse aires de gobernar una provincia como la nuestra, una banda "progre", un grupo de artistas "progre", pueden tranquilamente oficiar de juglares y bufones para la corte. Lo hacían en el siglo XII, por qué no hacerlo en el XXI.

Ya no queda nada del desdén por el sistema, de la famosa actitud rockera, Chicos, ustedes de rockeros solamente tienen los instrumentos. Me cago oficialmente, en el 98% de los artistas nacionales veletas y obsecuentes.

Buenos Aires, con Filmus, con Macri, con De la Rúa, siempre tuvo el alma de piedra. Y Fito lo sabe.

Me voy a comprar News of the World y Jazz.. cuando los tenga, los comparto.

Abrazos.

Talk Radio

2011-06-21T11:54:00.000-03:00

Este sucinto post tiene un motivo. Rendir homenaje a uno de los guiones más vertiginosos, originales y profundos del cine moderno. Estoy hablando de la pequeña joya de culto que es "Talk Radio", una película de Oliver Stone, filmada en 1988. El que no la ha visto, debería detenerse aquí, dado que lo que sigue es el discurso final de la película. Para los que ya la vieron (seguramente, los menos), les extiendo de su guión, el monólogo final de Barry Champlain, el protagonista principal que encarna el rol de presentador de radio, con un estilo similar al de Howard Stern en nuestros días. Desenfadado, pretencioso y verborrágico, Barry debe enfrentarse a la locura cotidiana de la ciudad nocturna, a los perdedores y los solitarios, adictos y enfermos que lo siguen día a día en su programa. Seguimiento que se traduce en popularidad absoluta, dado que la vida de Barry es la de una estrella mediática del momento. Tras ciertas desaveniencias que acontecen en la película del maestro Stone, Barry se quiebra y nos entrega una de esas joyas de discurso, que sólo podrían verse en las grandes películas y los grandes guiones.

Por otro lado, tiene un poder impresionante, y creo que toca más nervios que lo que uno lee.

En fin, aquí rindo homenaje y reivindico a Talk Radio, como un film de revista obligatoria.

El discurso en cuestión:

Debería colgar. Soy un hipócrita. Les pido sinceridad y miento. Denuncio al sistema mientras lo abrazo. Quiero dinero y poder, y prestigio. Quiero ratings y éxitos. Ustedes me importan un pito, o el mundo. Ésa es la verdad. Por eso, podría decir que lo siento, pero no haré. ¿Por qué debería?

Quiero decir, ¿quién demonios son ustedes de todos modos, oyentes? Están sobre mí cada noche, como una manada de lobos porque no pueden soportar enfrentar lo que son y lo que han hecho.

Sí, el mundo es un lugar terrible. Sí, cáncer y basura. La eliminación de residuos los agarrará. ´

Sí, una guerra viene. Si, el mundo se ha ido al infierno, y ustedes se han ido con él. Todo está para la mierda y les gusta, ¿no es cierto?

Están fascinados por los detalles gloriosos.

Están hipnotizados por su propio miedo.

Se revelan en inundaciones, accidentes de tránsito. Enfermedades incurables.

Son más felices cuando otros sufren. Es ahí donde aparezco yo, ¿no es cierto? estoy aquí para guiarlos de la mano a través del bosque oscuro... de su propio odio, ira y humillación.

Yo proveo un servicio público.

Ustedes están tan asustados. Son como los niños bajo las sábanas. Tienen miedo del hombre de la bolsa, pero no pueden vivir sin él.

Sus miedos, sus propias vidas se han vuelto su entretenimiento.

El mes que viene, millones de personas estarán escuchando este show. ¡Y no tienen nada de lo que hablar!

Maravillosas tecnologías están a su disposición. En lugar de alcanzar nuevas altitudes, vamos a ver que tan bajo podemos caer. Qué tan profundo en la mierda podemos sumergirnos.

De que quieren hablar, ¿eh? ¿Resultados de beisbol? ¿Sus mascotas? ¿Orgasmos?

Son patéticos.

Los desprecio a todos y cada uno de ustedes.

No tienen nada, absolutamente nada. No tienen cerebro, no tienen poder, no tienen futuro. Ni esperanza, ni Dios.

En la única cosa en la que creen es en mí. ¿Qué son si no me tienen? No tengo miedo, ¿ven? Vengo cada noche, hago mi caso, digo mi punto, ¡digo en lo que creo!

Les digo lo que son. Tengo que hacerlo. No tengo alternativa.

Ustedes me asustan.

Vengo aquí cada noche, los rompo, los abuso, los insulto. Y ustedes, sólo siguen viniendo por más.

¿Cual es su problema? ¿por qué siguen llamando?

No quiero oír más. ¡Dejen de hablar! ¡Váyanse!

Son un montón de panzas amarillas, sin médula, abigotados, convulsos, borrachos, insomnes, paranoides, asquerosos, pervertidos, voyeuristas, pequeños obscenos llamadores por teléfono.

Eso es lo que son.

Bien, al diablo con ustedes. No necesito su miedo y su estupidez, no lo entienden. Se desperdicia en ustedes. Burros antes que piara.

Si alguna persona allí tuviera una idea... de lo que estoy hablando...

Fred, estas en Night Talk.

Si, verás, Barry,

Sé que es depresivo cómo la gente no entiende que estás bromeando

Jackie, estás en Night Talk.

Hola, te he escuchado por años y te encuentro cálido e inteligente...

Arnold.

Sobre lo que decías sobre la soledad.. soy un ingeniero eléctrico...

Lucy. Mi madre es de Waco

Quería saber si fuiste a la secundaria con...

Larry.

¿Por qué la gente insiste en decir que los homosexuales son normales?

Ralph!

Estoy en mi casa.

Estoy en mi hogar, que es donde deberías estar, Barry. Hey, no estoy muy lejos, podés venir cuando quieras. Somos el mismo tipo de gente.. tengo sopa, cervezas. Estoy acá, pasa más tarde. Esperaré.

Barry faltan 60 segundos.

Esto es aire muerto, Barry. Aire muerto. Creo que estamos atorados mutuamente.

Este fue Barry Champlaign.

Pueden encontrar el video para descargar en

http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/3552406/Peliculas-para-los-que-les-gusta-el-cine-posta-2.html

Ahora que se viene el invierno, es una perfecta combinación para empezar a descubrir el mundo de los directores de cine con estilo propio. La próxima, el docu de Queen.

Queen - A Night At The Opera (1975) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-05-30T18:18:00.001-03:00

Es extremadamente difícil para mí hacer esta reseña porque me enfrento por tercera vez a una versión de ANATO. Ya sea desde la casi inaudible y monótona edición de 1993 como pasando por la muy buena labor en su 30 aniversario, en 2005, es un disco sobre el cual se pueden concluir gran cantidad de detalles.

Cierto es, también, que nos estamos reajustando gradualmente a escuchar discos mas fuertes, donde estos finos trabajos de remasterizacion conllevan un aumento progresivo del volumen a limites, a veces, inusitados. ANATO es uno de estos ejemplos. Me he tomado el trabajo de escuchar el disco de 1993 y estas nuevas ediciones al mismo tiempo y descubro una suba global de volumen. Es un hecho destacable, que puede tener connotaciones negativas. No obstante, a priori, digamos que esta bien levantar un poco los decibeles… esto es Queen.

La siguiente comparación es con las ediciones de 1993. La versión de 2005 de los treinta años del disco, es simplemente, la misma que la actual. Es decir, si no tenes la edición treinta aniversario, con este disco, reemplazarías esa edición de 1993. De hecho, la versión 2005 (perfecta, pulida, recontramil estudiada), estuvo a cargo de Bob Ludwig, el mismo ingeniero de sonido que remasterizo para Island Records. En otras palabras, esta seria la reseña de tanto la edición aniversario, como la de 2011.

Death On Two Legs es una intrincada y rimbombante demostración de lo que puede ser todo el poder de algo que suene en estereo. Guitarras para cada lado, dando vueltas, con un piano más audible que antes y una atmósfera impresionante. Cuando dije en su momento que casi todo el disco Queen II habia sido retocado para bien, en cuanto a su excesivo eco, en este caso de da la situación inversa. DOTL tiene mas ambiente que antes.

Lazing On A Sunday Afternoon solo tiene una mejora en el “there he goes again” de Freddie, bien a un costado, pero por lo demás, respeta la cuestión de la “nueva atmósfera” que siento en todo el disco.

I´m In Love With My Car con el tiempo, se ha convertido en uno de mis favoritos. Es una linda canción, impresionantemente construida sobre la base de la ultra distorsionada viola de May, que en esta versión aparece siempre omnipresente y dando ese sonido liquido tan característico de este tema.

You Are My Best Friend es la apoteosis de Deacon, es su explosión como bajista y durante los tres discos siguientes continuara en un altísimo nivel técnico de interpretación de su instrumento (diría que de ahora en mas hasta, tal vez, el fin de la banda). Los arpegios y arreglos de bajo en esta canción son sencillamente formidables. Ahora los podemos escuchar como se debe por primera vez. Los coros, también están muy pulidos. Excelente retoque. Me encantan los arreglos de Deacon. Redescubro la canción con cada escucha. Solo McCartney podría armarse tanto quilombo con tres acordes en una canción. Es catedrático, Deacon en esta balada. Da clases. Así como lo leen. Shame on you, 1993 remasters! Nunca hubiéramos descubierto a Deacon sin estas versiones. Aparte, te lleva durante la canción. En las antiguas versiones, era la batería la que marcaba el ritmo de la composición –y lo más audible- pero el bajo de John es el que llena todo espacio vacío. Además, toda la canción (letra y música) es de el. Loas al bajista de los Queen que, como si fuera poco, se toca la parte del piano con un Wurlitzer eléctrico (a Freddie parecía no gustarle el piano eléctrico). El EP nos reserva otras sorpresas en lo que respecta a esta canción.

´39 siempre fue la skiffle-song que me emociono. Tanto por su temática sci-fi (genero al que todos saben que adhiero con el alma) como por sus coros llenos de sentimiento y melancolía. Se me pianta un lagrimon cada vez que lo escucho, y emociona cantarla. Además me recuerda a su venida en 2008, motivo mas que suficiente para llorar a moco tendido. Respecto a las cuestiones más abstractas, otro injustamente olvidado aporte de Deacon. El “double bass” (o contrabajo para los neófitos) que suena a todo dar, y los coros, los coros están mas presentes que nunca, en una nebulosa prístina y celestial.

Sweet Lady demuestra una vez mas que la banda sabe ir por carriles pesados. Cada vez que me preguntan que es el glam rock, les doy una definición. ¡¡¡¡¡Escucha Sweet Lady!!!!! Tira lo que tengas de Marc Bolan a la mierda.

Predominan las guitarras, sobre todo la final. El tema no esta tan retocado como los demás, pero esta evidentemente subido de volumen y por ahí aparecen algunas violas de izquierda a derecha, omnipresentes.

Seaside Rendezvous. Gran mejora global, suena mucho el piano. Fundamental. El piano, instrumento de dioses. No puedo dejar de escuchar ese manómetro que es Deacon. Me lleva ese ritmo de ida y de vuelta. Los coros, de vuelta, un golazo de media cancha. Este rejunte de temas que es ANATO, tiene tanta sobreproducción y sobregrabación que hay que escuchar varias veces los temas para darse cuenta de las cosas que uno se pierde. Las trompetas simuladas por Taylor y los clarinetes y flautines que simula Freddie están bien distinguidas una de la otra, apareciendo por aquí y por allá.

Lado B

Desde la subida fenomenal de volumen en el inicio de Prophet´s Song, pasando por el koto súper estereomizado, esa bata imponente (no como en los remasters regulares), y la guitarra llevando todo el peso de la canción encima, asistimos al apocalíptico y formidable mejor tema del disco, junto con Bohemian Rapsody. Y si me apuran, tal vez es el tema más progresivo y heavy que Queen haría alguna vez. Escucho mil cosas de Black Sabbath en esta suite. Tal vez, porque el riff se parece algo al de Iron Man. O soy yo, que deliberadamente le encuentro el paralelismo. De todas maneras, abruptamente, pasamos a la sección de los coros. El triple delay vocal es el síntoma de la perfección de la banda, del momento creativo único en su historia, y de los excesos de producción de estudio. Toda la sección coral de esta suite es de un registro único en la historia del rock. Para los enfermos acérrimos fanáticos de los Beach Boys, debo decir que los alumnos han superado a los maestros. Y eso es un punto que nunca se tuvo en cuenta. Esta cosa monumental ha sido desdeñada por la crítica durante años. Y es hora de que reciba su justo reconocimiento. En 2011, escuchar a Mercury primero y después al resto de la banda, danzar orgiásticamente por entre todo tu sistema de audio en un lado, en otro, en el centro, arriba, abajo, es una cosa que nunca podría haber soñado el viejo nunca bien ponderado vinilo. Si hay algo de lo que aplaudir en la cuestión de la fidelidad del sonido, es que el laburo coral de Queen debe ser redescubierto durante todos sus discos. Lo cual también trae a futuro buenas expectativas. Volviendo a Prophet´s song… que más decir… te vas a quedar sin palabras. Ah! La vuelta al rock, viene pareja, no esta con volumen bajo como en las versiones anteriores. Es decir, los volúmenes de la parte coral están equilibrados, lo mismo sucede en Bohemian Rapsody. Puede parecer una tontera pero le da otra dimensión al espíritu de la canción. Tal vez es el mejor pulido del disco.

Tras esa mágica sección que da paso a Love Of My Life, debo destacar en esta parte del disco que los delicados coros vuelven a estar presentes similares a los originales. Lo más destacable de esta bella balada es que el piano parece estar mas presente, con más protagonismo. Y aca descubrimos, también la virtud de Freddie como pianista. Esas reminiscencias clásicas hacen de esta canción digna de cualquier artista de este género.

La entrometida pieza Good Company (entrometida porque corta todos los aires clasicistas entre Prophet´s Song, Love Of My Life y Bohemian Raphsody), es un alegre music-hall con cierto contenido melancólico en su letra. Pulidísimos los estereos, es lo mas destacable. En lo particular es uno de mis temas favoritos como para tocar en la guitarra. Vendría a ser como el “When I´m 64” de este, que es el Sgt. Pepper de Queen. Otra conclusión, es que el ukelele y el rock, pueden ir de la mano.

Y, entonces, llegamos al summum… Pero antes de esta opereta, hemos recorrido un largo e interesantísimo camino. ANATO, por si solo, tal vez, sin Bohemian Rapsody podría haber sido un discazo igual. Hecha la aclaración, quiero decir que he notado que los “little high little low” del coro inicial, están apuradamente cortajeados y metidos en el estereo mas absurdo que se pueda. Por lo demás el trabajo de remasterizacion es bueno, porque respeta todas las partes originalmente. Tal vez es uno de los pocos temas que convenía dejar más o menos como estaba. Salvo por la batería que noto un poco más alta en su volumen, por lo demás esta bastante bien.

Ahora si, esa exégesis del estereo en los coros, es indispensable. Y la sección rockera, el descenso al averno, el cadalso del alma de nuestro personaje, si que nos mete en el nervio de Belcebú, te pones a rockear, donde quiera que estés. Esta bastante mas alto que en las ediciones tradicionales, lo cual es un buen punto, así como en Prophet´s Song, le da otro espíritu a la magnificencia de semejante temazo. Probablemente, único en la historia del pop y el rock de los últimos 50 o 60 años. O sea, desde que el género existe. God Save The Queen, el telón de cierre para el más producido y presentado disco de Queen en toda su historia. Si bien, el pico creativo de la banda continuaría acompañándola durante el resto de la década.

Advierto: este disco esta monumentalmente subido de volumen. Para mi no es algo necesariamente negativo, dado que si bien esta fuerte, se deja oír toda la mejora a partir del disco original. Para aquellos que quieran reemplazar el viejo remaster de 1993 esta fuertemente indicado que se consigan ANATO versión 2011. De otro modo, sugiero mantener la edición 30 aniversario, que es exactamente la misma. A los fines de quien escribe; es necesario tener toda la discografia de Island Records. Hasta ahora, puede tener alguna critica puntual, pero es cierto que viene pareja y a la altura de las circunstancias.

El EP.

Que carajo es esa versión de Keep Yourself Alive (Long Lost Re-Take)¿? Una joya increíble. El tema hecho de nuevo, pero en 1975. Incluye otros efectos de batería, palmas, nuevas cositas en la guitarra, un tema totalmente nuevo. Parece grabado ayer.

La sección operística de Bohemian Rapsody nos muestra el lado oculto de este multimegatrack de voces superpegoteadas. Otra incuestionable y justificada presencia en el EP.

La versión de You Are My Best Friend es una muestra en donde ocurre algo similar a Bohemian Rapsody. Ahí vemos todo el laburo que ha llevado hacer esa canción y la cantidad de coros que uno pierde cuando la voz principal aparece. Y lo mismo ocurre, para no variar el concepto, con la versión de guitarras y voz de I´m in love with my car. Además, aparecen sorpresas al final de esta versión 2011, obra y gracia de Bob Ludwig, que ha descompuesto A Night At The Opera en 13413512 millones de partes.

De las versiones en vivo, mejor ni hablar. Ya saben lo que opino: no merecen estar en los EP. En lugar de eso, estabamos avidos de entrevistas, notas, spots, tracks y tomas alternativas; expectativas que se cubren parcialmente. Los EP de Queen, Queen II y ANATO son los mejorcitos, los de SHA y ADATR tienen un par de cosillas que debieron haber sido pulidas. Pero es errar el punto central de la cuestión. Queen esta pisando fuerte en 2011. Y con estos discos, se nota.

He alojado el archivo en FileSonic, sin pass, y corresponde al .rar con la imagen en .wav tanto del CD como del EP.

En breve, volveremos con el ultimo disco de la primera tanda de remasters, el brillante y soberbio A Day At The Races. Ahi nos vemos!

Link (resubido)

Queen - Sheer Heart Attack (1974) 2011 Remasters. Island Records (EAC)

2011-05-24T16:24:00.001-03:00

Conforme pasa el tiempo, Queen se aggiorna en dirección a lo que serian sus mejores producciones, durante la década del 70.

Sheer Heart Attack es el disco mas pesado de la banda hasta entonces, y, con algunos paralelismos con News of the World e Innuendo, conforman el tríptico mas glamoroso del glam metal como conjunto de discos. Es que ya desde la primera escucha, los adelantos técnicos se comienzan a evidenciar con respecto a los dos discos anteriores.

Estas nuevas remasterizaciones de Bob Ludwig muestran, básicamente eso. Las técnicas de grabación han sido refinadas para Sheer Heart Attack lo que lo hace el primer disco que pisa pesado en el mainstream del rock. Es el primer disco de variedades, realmente descontracturado y ambicioso pero en un plano mas humorístico. En los dos discos primeros, estaba este esfuerzo denodado por permanecer sólidos y coherentes. Bien, en SHA, se vuelven los Queen caóticos e impredecibles (pero siempre controlados) que adoramos los fanáticos. Un disco impresionantemente rockero y lamentablemente breve. Con ideas que deberían haber sido exploradas un poco mas. Tal vez si hubiera dado la talla, podría haber sido un disco doble. Pero eso es harina de otro costal.

Vamos a nuestro tema: les voy a contar que fue lo que encontré de nuevo y cautivante en esta versión 2011.

Más guitarras en Brighton Rock. Mas presencia de Deacon, el resultado en particular de Brighton Rock y el disco entero es una mejora en la fuerza rockera del disco. Brighton Rock (o “Happy Little Fuck”, según queria incluirse en Queen II), es un desbocado desparpajo de Brian May. Se nota mucho mas el triple delay, y Taylor esta a la medida de las circunstancias. Había olvidado los talentos del rubio baterista, hasta que puse el tema uno de este disco. Todo mas rockero, mas fuerte, mas equilibrado y mas realzado.

Entonces, tras chasquear los dedos, viene absolutamente, el mejor laburo de la serie hasta el momento. Killer Queen impacta por sus refinados estereos y su elevación de tono. Mercury ganaría un Ivor Novello por la lírica de esta canción y se mantendría como el trademark de Queen, hasta el advenimiento de Bohemian Rapsody. Impresionante multitrack, genial batería, creo que es la versión mas restaurada de todo el disco y la serie hasta ahora, si bien faltan algunos días y otras noches, tanto en la opera como en las carreras.

Entonces, aparece el medley mas copado de la historia de Queen: Tenement Funster, Flick of the Wrist y Lily of the Valley. Y no se por donde empezar… creo que por la cancion de Taylor, que no es su mejor composición (a veces creo que todo el Taylor de Sheer Heart Attack termina en I´m in love with my car y Drowse), es un buen aperitivo para entrar en el desmadre de Flick of the Wrist. La canción menos valorada y mas compleja dentro del Queen rockero. Brian May se la pasa haciendo solos, yo no entiendo como no se le vuelven locos los dedos a este muchacho en esta canción. Mejores estereos que nunca, podemos distinguir cada plano por separado, cosa que con las remasterizaciones, eso antes no pasaba.

Desembocamos después de ese mazazo que es FOTW, en Lily of the Valley. Una breve historia épica de mensajeros de la corte y cosas por el estilo, cuyo espíritu es el de recordar los aires barrocos de Queen II. Al final del tema, el escucha notara que se produce una levitación inconsciente tras el feedback del bajo de Deacon.

Y entonces, viene lo peor. No estas preparado para Now I´m Here. Nunca lo vas a estar. Es un tren arrollador. En las remasterizaciones de 1993 casi no teníamos estereo, concepto fundamental para entender la actitud escénica de este rock. Bueno, ahora si. Ahora es puro estereo, cuando Freddie dice: “now I´m there”… hay que girar la cabeza para buscarlo. Ese efecto realza todo el concepto de la canción.

Y continuamos con el -calculo yo- registro mas difícil de masterizar sin saturar que es “In the Lap of the Gods”. Ese sonido plano, chato, lineal de los CDs de EMI aca no aparece, hay capas (layers) texturas. Y no estoy hablando de ningún Photoshop. Es concreto y real: junto con Killer Queen me parece, es uno de los hallazgos de esta versión. Y, de paso, sobre la última parte del tema, te das cuenta de lo aceitados que son los cuatro como banda. Y el Fender Precision hace lo suyo.

Todo lo cual desemboca en, el tema que inventa el thrash metal. Si Helter Skelter inventa el punk, entonces, Stone Cold Crazy inventa todos los subgéneros del metal. Nadie quería tocar temas de Sabbath aceleradamente, a nadie se le había ocurrido. Solo estos virtuosos podían hacerlo. Un riff demoledor, un timing batero como pocos (me parece que pocos bateros podrían haber tocado este tema igual que Taylor en el disco). Heavy Metal señores, eso es Queen en Sheer Heart Attack. Realzadísimo el rubio en el remaster. Parece la norma, es el track que mejores cambios posee, la batería.

Dear Friends, otro delicate little number… al que le ha faltado un poco de redondez… es lamentablemente corto, necesitaba alguna atención mas este hermoso tema de May. Los coros son sublimes. Otra vez, notamos los tracks bien separados. Y la voz de Mercury que es un superdotado, un pájaro trinando, y que cada día canta mejor, como el zorzal.

Misfire es la intentona de Deacon que inaugura su contribución como miembro de la banda al repertorio queenero. Otra canción lamentablemente corta, que podría haber sido más trabajada. Es una lluvia de guitarras acústicas y una línea de bajo deliciosa. Todo obra del geek bajista. En las versiones anteriores no se escuchaba tanto la lluvia (literalmente) de acústicas. Luego, tal vez, seria mejorada y llevaría el nombre de “You and I”.

Bring Back That Leroy Brown = Freddie. Vaudeville, por primera vez en un disco de Queen. Unas voces hipertrabajadas (eso se observara mejor en el EP con el mix a capella) Un ukelele George Farmby de May, que hace el resto del trabajo, una sincronia de Deacon y Taylor que pocas veces van a ser escuchadas en la historia del rock. Me imagino que deberia ser difícil trabajar con un Mercury desbordante de ideas clásicas. Los bateros no suelen estudiar vaudeville en la academia de bateros, o si¿?

Ahora entiendo por que es el disco favorito de Taylor. Se zarpa, muestra toda su virtud. Con un Deacon que todavía a mi juicio no explota, pero esta cerca, y con un May que ya esta completamente asentado como el violero esencia, Taylor deja fluir toda su pompa. Es su mejor trabajo como miembro de la banda. Sin ser descollante, comienza a preponderar en sus ideas como uno de los que pisa fuerte.

She Makes Me es el doceavo tema, y no encuentro demasiadas mejoras en el, salvo por los licks violeros que aparecen mas adelante. De todas maneras, es una cancion bastante sencilla, que uno adquiere gusto a medida que pasa el tiempo de escucharla. Sin embargo, no es de las mejores canciones de Queen ni mucho menos. Será que May, debido a su hepatitis durante la producción del disco, pudo dejar un poco de pan para los pobres, y hacer notar mas a sus compañeros de banda¿?

In the lap of the Gods… revisited, inaugura el himno de estadio, el himno épico que será un sello de Queen hasta sus últimos días. Mejoraron bastante los coros y se equilibro la fenomenal subida de volumen al final de la canción. Temazo por donde se lo mire.

Y asi finaliza un disco un poco impredecible, con una formidable performance de Taylor, Mercury y May y Deacon que no se quedan atrás pero que por diversas razones, no alcanzaron a explotar todas sus virtudes. Sin embargo, se muestran facetas interesantes. Tal vez, SHA es la piedra fundacional del “estilo Queen” que acompañaría a la banda hasta el final.

El EP es un poco desparejo, pero ¿como puede uno negarse a semejante registro de coleccionista cuando encontramos dos versiones para la BBC que ahora ven la luz del día, y un delicioso archivo multitrack de Bring Back That Leroy Brown en versión a capella? De los dos temas en vivo no puedo agregar nada. Sostengo que es improcedente agregar la versión de 1986 de In the lap… porque no condice con la contextualidad del disco en lo mas mínimo. Vuelvo a repetir, podrían haber puesto esos multitrack de Brighton Rock y de Killer Queen que andan dando vueltas por ahi para los fanas, en lugar de versiones de los recitales que ya todos conocemos. A este paso, cuando termine la colección vamos a tener el Hammersmith Odeon tema por tema¿? Mal ahí, en el packaging del disco doble. Y me parece que se morfaron el Queen At The Beeb (que podrían haber incluido en los dos primeros discos), de paso ya que estamos, señores de Island Records. El trabajo de remasterizacion suple estos defectos de armado de la colección, ya lo creo. Sigue valiendo la pena tenerlo.

No solo es un disco fundamental para el queenero, sino que además para cualquier fan de rock regular. Para aquellos goi en esta religión que es Queen, seria uno de los discos sin duda, a conseguir como para empezar a degustar a la banda con todos sus matices.

En lo personal, es un discazo, sobre todo en su lado A. Y todavía permanece entre mis favoritos. Reitero hasta el hartazgo: el trabajo de remasterizacion es formidable. Solo basta con hacer una breve comparación entre un registro y otro que personalmente, haré en este mismo espacio cuando pueda lograr terminar las dos reseñas que me quedan para la primera tanda de discos.

Les dejo el link en MU, CD + EP en .wav, que tengo que ir a la ópera y ya esta anocheciendo. Se cuidan, darlings.

LINK

Queen - Queen II (1974) Island Records . 2011 Remasters . Deluxe Edition [EAC]

2011-05-02T01:07:00.005-03:00

¿Quién, jamás en la historia, puede decir que Queen II no es brutal? Es una auténtica pieza de heavy metal, es una auténtica obra de arte progresivo, es una joya de la dinámica cancionística moderna, y es una clase de cómo deben hacerse las cosas en un disco. Diremos que es un poco caótico y desordenado, tal cual los genios suelen presentar sus ideas. Pero gradualmente, tras muchos años-- (sí, años) de escuchar este disco puedo concluir que es una verdadera obra de arte. Toma distintas formas a medida que uno escucha y repasa canción por canción. Hay cosas pesadísimas, hay amor, hay quilombo, hay muerte, hay locura, hay creatividad, hay efectos, hay estéreos, hay voces, hay guitarras, bajos y baterías. Mierda si no hay cosas para analizar en 40 minutos (de duración) del disco del mismísimo demonio. Hasta hay un tema horrible. El mejor disco de Queen tiene el peor tema de Queen. ¿Cuándo se ha visto esto?

Siguiendo la línea anterior, ya tengo en las gateras la segunda entrega: la versión remasterizada (más un EP con canciones inéditas) por Island Records de Queen II. Y ésta es su reseña:

El sólo concepto de intentar sacarse un disco opera magna a la segunda intentona, es todo un mérito.
Puedo entender que los tipos estaban re podridos de ensayar y tocar 20852 mil veces los mismos temas que terminaron formando parte de Queen I, que no era más que el corolario de dos años -- que, musicalmente y dentro de una banda es mucho tiempo- pero los resultados finales del segundo disco, los estoy discutiendo yo ahora, en 2011, a 37 años de editado, y todavía con mucha pero mucha vergüenza, pensando en que tal vez, alguien esté al acecho, para discutirme los pormenores de este, que es mi disco favorito de toda la historia. Eso significa algo, ¿no les parece? O que yo estoy totalmente chiflado, cosa que es posible, o realmente esta bandita británica era un poco más que una copia de Zeppelin y los Beach Boys...

Personalmente, tengo una década escuchando Queen II. De reloj. Así que sólo me limitaré a hablar de las mejoras evidentes que nos traen Bob Ludwig e Island Records con estos remasters 2011. No analizaremos aquí las líricas, ni las intenciones, ni demasiadas cosas más que lo estrictamente técnico (si de técnica hubiera algo en lo que opino), acerca del CD + EP relanzado hace corto tiempo por Universal Music Group. Nota del redactor, una empresa que tenía que justificarse por haber sacado unos discos impresentables de los Stones un par de años atrás.

Bien, vamos al disco en particular.

The White Side (Cara Blanca)

Desde los acordes de la solemne Procession encontramos los estéreos bien marcados y los bajos más realzados, una característica que me animo a decir, será una constante, como lo fue en Queen I. La viola está un poco lejana, pero tal vez estoy acostumbrado al filoso y agudo sonido de la remasterización anterior que se ha encargado de perforarme los tímpanos con esa agudeza que transcurre en casi todo el disco. Especialmente en Father To Son, que creo era el tema a pulir. No deja de ser una pieza recontra recargada de violas, lo que lo hace durísimo de emparejar y fácilmente saturable. Desde la misma mezcla de la canción. En realidad lo que había que hacer tal vez, era traer la batería más adelante, cosa que sucede. Sigue siendo notoria la mejora de los estereos y es algo que hay que recalcar. El producto final no es asombroso en este tema, pero con las voces bien marcadas a cada lado y trayendo un poco para adelante la batería se suplen bastante las saturadas terribles de la viola (que son las de la grabación original). El solo de May es un kaleidoscopio, bien como uno quiere. También se ha retirado un poco el eco molesto que taponaba la voz de Freddie en algunos momentos. Los coros son brillantes. Y la coda final, una apoteosis del rock queenero. Ahora en mejor estéreo, por supuesto. (Sé que soy bastante molesto con el tema de los estéreos, pero hay que resaltarlos, sobre todo en la coda). Joyful the sound.

La sedosa voz de Freddie en White Queen es especialmente destacable. No sé cómo se llama el efecto que se usó, pero es el que permanece desde la grabación original, pero es realmente audible ahora. Cuando lo escuchen, lo van a notar. Ese efecto (¿satinado?) de la voz, está bien presente durante todo el tema. Y creo que es lo más destacable de la canción. Escucho partes nuevas de una de las guitarras que estaban tapadas anteriormente durante el solo. Menos eco, también, como el disco exigía y como parece ser una constante en Queen II.

Y si, la música estaba demasiado fuerte (The music was too loud), porque Brian aparece con otro matiz sonoro (muy cercano al del 5.1, al Quad Mix de Roger Waters en What God Wants), de frente, adelante, pero adelante de la nariz, no de los oídos. Esa sensación de tenerlo soplándote adelante de los ojos y no a los costados, como usualmente uno escucha la voz del que canta, típica de los ambientes cuadrafónicos. No sé si se entiende lo que quiero decir. Some Day One Day está entre los puntos altos, y hasta ahora, de los retoques, es de lo mejor que he escuchado. El que está sobre una nube colgando sobre nosotros, es Brian cantando en un tema que parece regrabado desde cero. Increíble las caras que puede tener una canción cuando se la mezcla distinto. Un golazo de los remasters.

Lo mejor de The Loser In The End, es el "yeah" de Taylor, que se escucha en el minuto 1.32. Estaba en la grabación original, pero tan tan bajo que lo escucho por primera vez. La viola está nítida a un lado, haciendo lo suyo y se escuchan también "nuevos" punteaditos que no se notaban antes, sobre todo en la coda de la canción.

Vaaamos, John, tenés que aparecer... es tu disco favorito...! Soy un poco injusto, Deacon aparece, pero yo siempre exijo más jaja.

Fin de la cara blanca.

Si Abbey Road tiene el prestigio de ser el mejor lado B de un disco en la historia, y el lado A de I Robot es una cosa para morirse extasiado, el lado B de Queen II (o lado negro), puede competir como una de las mejores caras como completo de toda la discografía de la banda en particular, y de casi todo el heavy metal y el glam en general. Riffs, ambientes, coros, progresismo musical, liricismo absurdo, paredes de sonido, virtuosismo pianístico y arreglística de opereta, configuran lo que rara vez será empardado en la historia. El famoso "Black Side", casi por completo obra de Mercury.

Nosotros hoy día, no notamos la dicotomía. Estamos acostumbrados al CD. Sugiero cortar y descansar cinco minutos antes de escuchar detenidamente la cara negra, cosa de dimensionar los dos grandes bloques en los que está compuesto el disco.

The Black Side (Cara Negra)

Tras un manto ambiental formidable (mucho más texturado que antes), aparece ese griterío infernal y el riff más metalero del disco: Ogre Battle. El que diga que esto no es la semilla del metal, está más loco que una cabra. Ciertamente, en alguna reseña del disco he leído que Brian era dios, y que no le podés discutir nada cuando te toca esta canción. Pero tampoco podés decir nada de Freddie, que es el dios de Dios jajaja... bueno, tal vez sea esa la valoración que se debe tener para escuchar Ogre Battle. Y Deacon se luce en los solos. Y Taylor grita, y los ogros vuelven a casa, y la batalla vivirá eternamente. Lo mejor del tema, la guitarra y la intro. Por lo demás es bastante similar a la anterior versión.

Uno de mis favoritos, The Fairy Feller´s Master Stroke. Es por canciones como éstas que encuentro en Queen lo que no existió nunca ni existirá en otra banda. La creatividad musical clásica llevada al extremo que esos bastardos criticones nunca entenderán. Deacon se lleva las palmas, sostiene él la canción. Brian se saca un solo que nunca fue oído antes, las texturas son terribles en el buen sentido, otro punto alto del remaster. Tengo que confesar, voy contando qué me parece el disco a medida que lo voy escuchando. Pero a esta canción la pasé dos veces. No por el crudo y frío análisis musical. Sino porque lo tenía que escuchar de nuevo. Otra vez más de puro gusto. Nunca es suficiente.

Nevermore y su magia exceden cualquier tipo de comentario al respecto. Cierto es que al ser bastante sencilla, tenemos menos críticas que hacerle. Los coros son evidentemente lo más restaurado de la canción, que se va rapidísimo, como las cosas buenas que duran tan poco. Como el disco entero, que se me pasa siempre volando.

Cuando escuché por primera vez esta versión The March of the Black Queen, el piso de mi casa empezó a vibrar de una manera indescriptible. Eso debe significar que la batería tenía un buen bombo de pie. Ahora se escucha. Es una canción completamente nueva. Junto con Some Day One Day es la mejor retocada canción del disco. Las partes de piano muestran cosas nunca oídas. Señores, ha llegado la verdadera rival de Bohemian Raphsody. En un repulido que ahora la sitúa entre las mejores intenciones de Queen como un todo. Se oyen campanas durante el primer solo, ¡jamás había escuchado esas campanas! Las pistas de las voces están completamente redescubiertas, separadas plano por plano. Excelente. Parece una remezcla en 5.1 (y eso que tengo un sistema de audio con bastante menos propiedades que un 5.1) Me impacta sobremanera el piano, las secciones pianísticas nunca oídas, que estaban tan tapadas con el ruido de mierda de los remasters anteriores. ¿Es una mejora? No. Es una canción completamente distinta. Emparda a Bohemian Raphsody en su versión 2005. Y ya es todo un elogio decir eso. Redescubran Queen con este tema, con el disco en general.

Esta joya impresionante da paso al peor tema de la historia de Queen. Pero en este caso, Funny How Love Is al menos, tiene trackeadas nítidamente las guitarras, tiene mucho menos eco horroroso (que es lo que la hace FEA), y hasta diría que sube un par de puntos la sola versión 2011. Es decir, la canción se escucha bien ahora. No es la más melodiosa ni la más importante canción de Queen ni mucho menos, pero sin ese eco horrible y con un poquitín de Deacon, todo zafa. El eco es reemplazado por las Beach-Boys-ianas voces del coro, cosa que me parece aceptable.

El único hit radial del disco, Seven Seas Of Rhye con una justa subida de la batería y más presencia de Deacon. Por lo general, mantiene la estética de la canción original, es bastante unísona, no tiene las grandes vicisitudes cromáticas de las restantes, pero es un muy buen tema y destaca en esta versión, el solo de guitarra. Esa viola andarina que va y viene por aquí y por allá. Se eliminó ese ruido que ya formaba parte de la canción: cuando Fred canta "and with a smile.... I´ll take you to the (clic) seven seas of Rhye"--- ¿recuerdan ese clic que aparece, que se asemeja a un falso entrée de la bata? pues no, parece haber sido un ruido de grabación. Ahora ha sido eliminado completamente. Hay que acostumbrarse a escucharlo ahora ¡eh! Y los cánticos finales, hay uno que grita (creo que es Taylor) que se "come" la coda de la batería. Es un tema bastante retocado y al que se le ha pegado una buena lavada de cara, se han traído los coros adelante y la coda final es deliciosa, se distingue nítidamente cuál canta qué parte.

El EP

Todo un misterio. Toda una rareza. Todo un must have. Empieza con otra bandita, que parece sacada de un antro blusero de cualquier esquina. Creo que si Queen hubiera decidido ser Led Zeppelin, les hubiera pasado el trapo a los de Plant. Así como lo oyen. See What A Fool I´ve Been en esta versión de la BBC es mejor que cincuenta discos de Zeppelin todos juntos. Estoy maravillado con esta versión del tema que ahora escucho por primera vez.

El segundo tema es el conocido "delicate little number called White Queen" mientras se viene abajo el Hammersmith Odeon aquella navidad de 1975. Lo característico de esta canción es que tiene un intermezzo menos flamenco que el del disco, de hecho, da lugar a una interpretación bastante distinta de lo que conocemos, con Freddie al mando en el piano, haciendola una canción mucho más heavy. Remasterización de una vieja conocida, aunque no estoy muy a favor de cortajear vivos de por aquí y por allá y meterlos en el EP, tal vez era necesario para entender y registrar cómo se tocaba la canción en vivo. De hecho es una de las mejores versiones sino la mejor en vivo que hay de este tema.

"One, two, three, four". Dice Freddie, y sale la versión instrumental de Seven Seas Of Rhye. Como para hacer karaoke. Como para pasar los títulos al final de la peli. Rareza que sólo aparece en este disco. De paso, es para aprender a tocarla (o, al menos, eso voy a intentar). Sobre el final, el cántico grupal desaparece para dar lugar a la finalización de la batería en un jam.

Nevermore, en las grabaciones de la BBC es el cuarto tema del EP grabado en 1974. Es ligeramente distinta a la del disco, con un Freddie con una voz menos dulce (y más disfónica) y de paso, se le agregan instrumentos, como la batería al final. Otra rareza, y van...

Finalmente, el B-side famoso, con ese tono altísimo y falseteado al palo por Freddie, que según algunos se pega un pifie de novela (cosa que yo no noto, pero qué carajo sé yo de eso) y pega el famoso grito que hizo temblar al propio Robert Plant en sus calzones, cuando hizo saltar la pintura del cielo raso (Rolling Stone dixit) con semejante vociferación, que hubiera quitado de su sitio al líder de Zeppelin como vocalista por toda la eternidad. El blues gay más Sabbathiano del universo. Esa es la definición concreta de este tema. ¡Hay guitarras nuevas en el tema!

Y se termina el EP. Corto, pero contundente, con mucho para atesorar.

Está demás decir que este es un disco que hay que tener antes de morir. No encuentro palabras, tal vez, sea mi disco favorito en tanto junta el sentimentalismo, la música y Queen en la misma medida. Por lo que significan para mí, A Day At The Races y Queen II son mis dos discos favoritos EVER.

A bajarlo .No bien lo traje de la disquería, antes de escucharlo, lo espejé en megaupload para deleite de todos vosotros.¡¡¡¡¡¡Long Live the Queen!!!!!!

Se viene un pequeño infarto agudo de miocardio la semana que viene o en algunos días más.

Por lo pronto, yo ya me quedé sordo en el segundo disco. Todavía me faltan 13.

Paz!

Ah! Me olvidaba de lo más importante: los LINKS . Es la imagen en wav sin pérdida de calidad, no es FLAC, es EAC, ripeados los discos con el Exact Audio Copy v 0.99, cada carpeta tiene el log correspondiente al ripeo de cada disco, así que se lo bajan tranquilos y confiados. PS. Cuando me arreglen el scanner, subo las tapas!

Queen - Queen (1973) Island Records 2011 Remasters Deluxe Edition [EAC]

2011-04-23T03:18:00.005-03:00

Lo prometido siempre es deuda, y hoy voy a venir con lo que (espero) sea el manifiesto más fructífero de este espacio desde que existe.

Queen cumple 40 años y ha lanzado sus discos en paquetes de a cinco para conmemorar este cumple. No sólo se han reeditado los discos a 2011 (la última remasterización oficial fue en 1993) sino que se han tomado las cintas originales para balancear los discos nuevamente, de la mano del ingeniero de sonido Bob Ludwig. Con la estética del nuevo milenio. Y para sazonarlo, cada disco viene y vendrá en una edición doble. Dos discos. El primero, con todo el disco original remasterizado, y el segundo, es un EP con accesorios. Lados B, demos, y rarezas varias correspondientes a ese álbum. Ya sea que tengas los discos de 1993 o quieras empezar a armar la colección, es la oportunidad ideal.

El dueño de este espacio, en su afán queenero, apoya y sustenta la idea de hacer llegar Queen a todos los que lo visitan.

En este caso, tras la adquisición del primero de lo que serán muchos discos, quiero dedicarle a este disco un post especial, como lo prometí antemano. Y espero que esta estilística se mantenga a lo largo de los 14 discos restantes de la reina.

Vamos a hablar un rato de Queen I. El disco debut. Un poco voy a contarles de qué me pareció (desde un oído subjetivo) esto de las tan mentadas remasterizaciones de Queen. Tema por tema.

Ok. Pongamos play.

Desde los primeros rasguños de Keep Yourself Alive se notan los estéreos pulidos. La guitarra está un poquito fuerte y predomina más que los otros instrumentos, pero puede ser que la grabación originalmente ya es así. Con esto también te das cuenta de que hubo mucha sobregrabación, (una exégesis de lo que los amantes de Phil Spector denominaban "wall of sound"), a diferencia de lo que se puede llegar a pensar del primer disco, cuyo postulado inicial de todo queenero es que Queen I es más "hard rock" que Queen II, por ejemplo. Bueno. No. En realidad, hay mucha sobregrabación. Se nota el efecto glaseado/espacial de la viola (amigos del glam rock, saben a lo que me refiero), cosa que antes no se notaba. En las ediciones anteriores, el multitrack estaba aglutinado y uno no podía distinguir bien todos los elementos. Pero en estos remasters, parece ser la norma querer hacernos escuchar sonidos que antes estaban tapados.

Doing Allright tiene una notoria mejoría. La batería está mucho más nítida. Ese ritmo de bossa que termina en una Jimmy-Page-ada de Brian está en su mejor forma (¡ojo para los mal pensados! pero no puedo describirlo de otra manera). En las versiones anteriores era una melange de saturaciones. Ahora está equilibrada, se pueden escuchar las dos violas sobregrabadas sin que se te rompa el tímpano. Incluso, se escucha mejor la acústica durante los solos de eléctrica. Todavía estoy tratando de contar cuántas guitarras hay en esa canción. Calculo que unas tres, dos eléctricas y una acústica, pero podrían ser algunas más. Nunca lo voy a saber. Pero sí lo voy a escuchar a partir de ahora.

Qué decir de Great King Rat... la característica predominante es el mayor estéreo batero, por lo demás, mantiene su forma tradicional. Todo lo cual hace de este tema algo mucho más heavy de lo que ya era. A Freddie, lo trajeron un poco más adelante, por lo que pasa de ser un eco lejano al frontman en la canción. Recordemos que no habrían contado con un gran presupuesto para armar el disco, por lo que es esperable un margen de imperfección en las mezclas originales. Cuando la voz de Fred está sobregrabada, se notan bárbaras las dos voces distintas. Y un punto especial de atención merece el solo de Brian. ¡¡¡He ahí el hombre con la moneda de púa, señores!!!. El solo de los 4.15 te vuela los pelos. Podés escuchar el chirrido, las chispas que salen de la Red Special. Es de lo más interesante de este disco. Ese chisperío infernal que es el solo final de Great King Rat. Creo haber dado con el Santo Grial de este disco. Ése puto solo.

My Fairy King y esos arreglos corales del cielo mismo que por fin están bien discriminados voz por voz. En este equipo juega Deacon John, que también pone su estampa y aparece con un poco más de presencia (aunque, para los amantes del bajista, tal vez hubiera sido necesario un "pump up the volume" en las pistas de bajo). Problema resuelto si tenés un ecualizador; le metés un poco de enjundia al bajo y lo vas a escuchar.

Liar, el emblema de este disco. Me había olvidado de que Deacon existe, señores, aunque arrancó después que sus cofrades de la banda, recién en la mitad del disco pone su sello. Está tocando el bajo en Liar! Punto a favor del remaster. A la regla del mayor estéreo se le suman un par de truquitos de Taylor que ahora los escucho por primera vez. Sin embargo, pese a los esfuerzos, sigue siendo un tema hiper fuerte. Pero la diferencia se nota, y el resultado final es una mejora general, otra vez. Han realzado los bajos, cosa que pedíamos a grito pelado para este tema.

The Night Comes Down. Con decir que ahora puedo escuchar el cowbell de Taylor entre esa fiesta de guitarras acústicas, los parches de los toms, como si los estuviera golpeando al lado mío, creo que digo todo. La regla de los estéreos se cumple para este caso en particular, tambien. Deacon aparece, aparece en el medio de "now all the world is grey to me, nobody can see" con uno de sus mejores arpegios. Y se lo escucha. Antes no se lo escuchaba. Mucho más sourround de lo que lo conocemos, TNCD llenaba el alma. Ahora llena los oídos.

Modern Times Rock and Roll tal vez es la canción menos mejorada. Como siempre en todo el disco, los estéreos bien, las violas bien distinguidas, no como antes. Pero al ser una constante en el disco, a estas alturas ya no lo mencionamos. Piano. Había un piano en esa canción. Lo toca Freddie, por ahí atrás. Y sí, se escucha. Punto a favor del remaster.

Son And Daughter está menos filosa, con más presencia de Deacon. A Freddie me lo trajeron para adelante, también. Pero las palmas se la lleva Bob Ludwig por traer a Deacon al nivel de May. A tu derecha, el silencioso que toca el bajo. Le da otra dimensión a la canción, la hace más redondita. Junto con Great King Rat tal vez es donde más se nota la mejoría.

Jesus es otro golazo. Al traer a Deacon más adelante, la canción completa cambia su sentido. Se hace mucho más agradable al oído. También está considerado mucho más el piano en Jesus. Se puede escuchar entre todas las violas de May. El último solo, también, muy mejorado. Hay cosas que nunca escuché en esa parte de Jesus. Como suelo decir: el quilombo que hay casi al final, antes del último verso y estribillo. De ese quilombo, ahora podés sacar cosas.

Seven Seas Of Rhye... no noté demasiada mejoría en esta canción, pero de todas maneras, mantiene el camino de las anteriores

Como comentario final respecto del disco, hubo muchas cosas que me sorprendieron para bien. De hecho, no le tenía demasiadas esperanzas al laburo de remasterización de este disco en especial, por diversos factores. Uno, es que había en su momento, poca guita para hacer algo groso, y asumo que no se contaba con demasiados elementos como para hacer sonar bien a la banda. Y dos, que es el más viejito, por lo que contamos con la inexperiencia musical (?) y el demasiado tiempo en el que este disco fue cocinado (unos tres años) lo cual hace que el producto final no sea tan crudo como uno pretendiera. Añadamos lo siguiente; el que se roba el show en Queen I es May. Por eso decimos que es un disco rockero. Porque Brian metió todo junto sin respirar, sin repetir y sin soplar. Los demás están opacados por las ganas de May. Cuando vos te acordás de algo de este disco, no es justamente un falsete, un piano, un fill in o un par de pinceladas bajísticas. Te acordás de todos los solos, te acordás de los acordes asesinos de Liar. Este disco es May a la enésima potencia. Todas las canciones dejan paso a May. Él se roba el protagonismo. Freddie todavía sin salir del cascarón (aunque amagando), Taylor, un gran batero, y en este disco lo demuestra. Pero nunca a la altura del virtuoso rulitos que donde puede, en el segundo que no miraste, te metió un solo, hizo tres delays, y te rompió los bafles. Deacon todavía no iba a ser el genio olvidado que es hoy.

Como descubrimientos puedo decir el que más hondo me caló: te das cuenta de que, como dije al principio, este álbum está tan sobregrabado como Queen II. Está lleno de pistas. Yo lo hacía más plano, más hard-rocker, al menos en mi versión anterior. Pero lo cierto es que no es así. Queen II justifica su existencia por haber llevado al último y máximo nivel todas las aspiraciones de este disco. Que no deja de ser interesante, por momentos, excesivamente explosivo, pero de todas maneras, un excelente disco debut. Yo amo el collage Beach Boys + Zeppelin, me parece lo más copado del mundo. Pero la verdad es que Queen amaga con hacerlo en una sola canción; lleva las canciones a otro nivel. Queen I es completamente bíblico, introspectivo por momentos, y muy rockero. Hay composiciones injustamente olvidadas (Doing Allright, My Fairy King, Great King Rat, The Night Comes Down) y una en particular, injustamente sobrevalorada, que es Keep Yourself Alive. De Zeppelin, acá, muchachos, no hay nada. Esto es Queen.

Respecto de los EP sugiero que los escuchen, dado que no hay ninguna grabación con la cual comparar. Son temas en versiones alternativas de De Lane Lea (¿cómo les queda el ojo, malditos críticos de que no hay nada nuevo para tener de Queen?) y la verdad, por sí solos, justifican la compra del disco doble. Mad the Swine, el único lado B correspondiente al disco, por fin, está completa. Terminada, lista. Remasterizada. Más no se puede pedir. No empieza con ese fade in que nos jodía tanto; ahora está completita.

Otra cosa que me gustó de estas versiones: no se boludea, es decir, las tapas se mantienen originales, no hay mucha cosa novedosa en cuanto al arte de tapa. Es lo mejor que puede sonar Queen hoy con la estética original. Bastante humilde, al menos para este disco.

Y ¿sabés qué? Nobody Played Synthesizers.

Muchas veces uno tiene que tomar esa álgida decisión de si comprarse el disco o si mirarlo pasar suavemente, mientras lo consigue de otra forma y lo escucha en calidad similar, por no decir igual. A mí me parece que vale realmente la pena tenerlo, pero no se está exento de tener que empeñarse un poco, por lo que he decidido dejar a su consideración escucharlo y evaluarlo. Me he tomado la molestia de subirlo a la red y compartirlo con ustedes. Ojalá sea el punto de partida para que estén todos los discos en este nuevo formato a su alcance. Haremos lo imposible.

El link está alojado en Megaupload, es un txt con los links en FileSonic. Subida propia. A disfrutar.

Está ripeado con Exact Audio Copy v.0.99 y sin errores, en formato .wav - - es lo mismo que decir que es el mismo disco tal cual lo tengo yo.

LINK!

En caso de links caídos, no duden en avisar.

En unos días, se viene Queen II.

Saludos!

PD_: nota mental: como soy un boludo apurado, puse en la descripción del archivo, el año 2001 y no 2011 como cabría esperar. Error. Fede Erratas. Bajen tranquilos.

Psicopatología Política

2011-04-15T16:48:00.000-03:00

El concepto de Personalidad Psicopática o Psicopatía tuvo dificultades desde la antigüedad para definirse y conceptualizarse.

Se lo ubicaba al margen de las neurosis por un lado, y también separado de las perversiones y las psicosis. La Psiquiatría se sorprendía por aquel individuo que aparentemente no era insano desde el punto de vista legal, que tenía un nivel de inteligencia generalmente alto, pero su comportamiento social aparecía como anormal.

Si bien actualmente la Psiquiatría no incorpora el diagnóstico de psicopatía y lo incluye dentro de varios tipos de trastornos de la personalidad.

Podríamos definir varias de las características clásicas para un diagnóstico específico de Psicópata.

Dichas características son:

* Tiene ausencia de sentido moral.

* No tiene sentimientos de culpa.

* Es impulsivo, tiende a actuar todo lo prohibido.

* Le falta generosidad, tiene envidia exagerada, puede dañar hasta al que lo ayuda.

* No puede sentir, le está vedado, tiene incapacidad para amar.

* Usa a las personas para conseguir sus objetivos.

* No tiene autocrítica o auto cuestionamiento, proyecta constantemente ( mecanismo de defensa más utilizado ).

* Es inteligente, (coeficiente de inteligencia alto).

* Puede ser agradable, seductor, simulador y mentiroso.

* No acepta la autoridad, se burla de ella, no tiene miedo.

* No hace duelo frente a las pérdidas, no está triste.

* No tolera la frustración, compite siempre, no soporta perder.

* Es vengativo y cruel, no tiene compasión.

* La angustia solamente la puede sentir como tedio o aburrimiento.

* Es sexualmente promiscuo.

Si nos detenemos por un segundo a reflexionar, dichas características las podemos observar, por ejemplo en muchos políticos. Cada uno de los lectores imaginará a uno o varios personajes de la vida pública.

Sin embargo, el principal, el Decano de los Psicópatas es un conocido ex presidente, actualmente radicado en país vecino.

De hecho, cumple con todas las características y los criterios para el diagnóstico de psicópata, sin ningún lugar a dudas.

Pero lo más sorprendente aún es que habiéndose desenmascarado hace tiempo, hay un cierto porcentaje de argentinos que así y todo lo votarían nuevamente. No quiero entrar a describir las características psicopatológicas de dichos votantes porque sería muy complejo y no forma parte de este artículo. Además aparecerían mis tendencias hostiles hacia ellos, con lo cual perdería objetividad científica.

Volviendo al tema de este artículo, y haciendo comparaciones en la historia, tomemos por ejemplo el caso de Hitler en Alemania.

Él no inventó el odio a lo no germano sino que se atrevió a llevar a cabo lo que estaba presente en gran parte del pueblo alemán ( la glorificación de la raza germana y la discriminación contra lo que no es germano) y lo que muchos educadores venían propagando desde muchos años atrás.

De la misma manera el ex presidente psicópata no inventa la corrupción, la viveza criolla, la soberbia, el no esfuerzo, la plata fácil, el egocentrismo, la mentira, pero lleva a cabo y oficializa lo que estaba de manera latente en los argentinos. Estableció la ausencia de valores como estandarte, como la forma correcta de vida. El daño psicológico que causó fue enorme y su efecto fue devastador.

Sin embargo, como dato positivo de esta triste historia, podemos decir que nos mostró nuestra faceta más monstruosa, más terrible, más miserable.

Entonces y tratando de imaginar un futuro diferente para nuestro país, llegamos a la conclusión que si bien va a llevar varias generaciones reparar el perjuicio que nos causó, no todo está perdido.

Debemos saber que para aprender de nuestros errores, no sirve de nada negar la realidad o justificar lo injustificable.

Hay una antigua fábula de Esopo que dice:

La zorra venía hambrienta y de pronto vio enormes racimos de uvas jugosas cargando de una parra, intentó apoderarse de ellos pero estaban muy altos. Saltó y volvió a intentarlo. Así una y otra vez, pero fue en vano. Entonces mientras se marchaba, se iba diciendo: “ las uvas no estaban maduras”.

¿Seremos capaces los argentinos de aceptar que no hemos alcanzado las uvas?

Sí, bien podremos asumir que no las alcanzamos y que esa es la realidad.

Pero ¿ podremos reconocer que los políticos psicópatas que nos gobernaron representaban indudablemente aspectos psicopáticos de nosotros mismos?

Tal vez en lugar de decir “ que se vayan todos” tenemos que comenzar a actuar distinto cada uno en su medio o en su actividad, y apoyar al gobernante que represente la mejor parte de nosotros y no la peor.

Porque lo grave no es que nos mientan, sino que les creamos o que hagamos como que no nos mienten porque nos conviene.

Dr. Saúl F. Salischiker

Médico Psiquiatra

2011-04-04T19:24:00.001-03:00

Noticias queeneras: Atencioooon!! Se vienen los remasters 2011 de Hollywood Records (ediciones deluxe)!!! Subidas propias, lleva tiempo, pero tendremos al Queen versión 2011 en breve. Pásense en unos días a ver cómo está la cosa.

Black Sabbath - Born Again (1983)

2011-04-04T17:40:00.002-03:00

Black Sabbath - Born Again (1983) [1990, Japan 1st Press, Vertigo PHCR-2054]

Hard Rock/Heavy Metal | EAC Rip | Flac(Image) + Cue + Log | MP3 CBR 320Kbps | 9 Tracks

Covers Included | Vertigo | PHCR-2054 | ~284 + 122 Mb | FSonic, FServe, Uploaded

No soy un gran seguidor del metal, en tanto todavía debo escuchar unos cuantos discos antes de pronunciarme conocedor de la materia. En realidad, debería reformular lo dicho: soy un seguidor del metal, un aficionado, pero no conozco demasiado de la materia, y requiere de mí cierta predisposición especial para adentrarme en ese mundillo.

Sin embargo, indagando un poco, me he topado con BORN AGAIN, uno de los discos de Sabbath que nunca había escuchado. Si bien la época de gloria de esta megabanda británica podría decirse que había pasado; en todo el catálogo de Sabbath, jamás escuché un disco tan influyente. Supongo que de BORN AGAIN, editado en 1983, surgen un montón de subgéneros (diría infra-géneros) del metal, en tanto BORN AGAIN es un disco súper pesado, súper distorsionado (como nunca antes en toda su historia) y súper oscuro. El primer disco de Sabbath asustaba a los pacatos de fines de los sesenta; BORN AGAIN asusta hasta al rockero más pintado. Es un disco que, desde su portada, bastante desagradable y saturada, indica que estamos en presencia de los embajadores de Satán en la tierra. Nunca Sabbath había ido tan lejos en su concepto del doom-metal.

Como si esto fuera poco, al no estar Ozzy Osbourne, y al haberse marchado Ronnie James Dio de la banda poco tiempo antes, quien hace las veces de frontman es nada mas y nada menos que Ian Gillan, vocalista actual e histórico de Deep Purple.

El resultado es una superbanda que entrega un disco de culto. No un gran hit de la comercialidad sabbatiana, pero un disco fundamental. Los aullidos de Gillian son estremecedores (parece haber nacido para suceder a Ozzy). Y, aunque han traido algunas críticas por parte de los llamados "expertos" del hard rock, me parece que la inclusión de Gillan hace que esta época de Sabbath sea un poco más caótica de lo que venía siendo. En los vivos, se empiezan a tocar temas de Deep Purple, y ya parecía que la nave Sabbath se perdía en los mares de la ignominia. Incluso, parece que hay quienes denominaron "Deep Sabbath" a la banda. Lo cierto es que Deep Purple nunca fue tan heavy ni Gillan tan estremecedor como en BORN AGAIN. La producción, la edición puede haber sido directamente, mala. Pero eso hace que el sonido fuera más crudo, tal vez.

En un plano personal, conozco bastante la obra de Sabbath con Ozzy, aunque nunca indagué demasiado en el Sabbath de los 80. Tiempo atrás publiqué algo sobre Heaven and Hell (discazo). Pero realmente, estoy shockeado tras escuchar BORN AGAIN. Zero the Hero, Born Again, Disturbing the Priest, The Dark y Thrashed me van a mandar al infierno de un solo golpe por haberlas escuchado.

Párrafo aparte merece el incidente "Stonehenge", que se suscitó en el escenario de las giras de este álbum, y del cual se hablará en el próximo posteo, cuando ponga algo de Spinal Tap que estoy armando.

Si tengo que definir a este disco en una palabra es: FUCKING DARK. 39 minutos de infierno. Un verdadero clásico.

Tracklist:

01. Trashed
02. Stonehenge
03. Disturbing The Priest
04. The Dark
05. Zero The Hero
06. Digital Bitch
07. Born Again
08. Hot Line
09. Keep It Warm

Personnel:

Ian Gillan – vocals
Tony Iommi – guitar, flute
Geezer Butler – bass guitar
Bill Ward – drums
Geoff Nicholls – keyboard instrument

FileSonic: Flac | MP3
FileServe: Flac | MP3
Uploaded: Flac | MP3

Fuente: Avaxhome

Brian May - Back To The Light (1992) EAC

2011-04-02T20:22:00.000-03:00

Brian May – Back To The Light (1992)

Eac rip | Ape (image) + Cue, no log | Covers scans included | 308 Mb

Rock | Label: Parlophone Records CDPCSD 123, released 1992

1992. Queen deja de existir pocos meses antes. Brian May siempre queriendo plasmar algo distinto en un álbum solista, pero toda la energía parecía fluir hacia el legendario cuarteto. Lo intentó en su "Star Fleet Project" junto con artistas de la talla de Eddie Van Halen, Alan Grazer, Phil Chen y Fred Mandel; pero había terminado en unas escuetas "jam sessions" que sólo justificaron un EP de excelente factura, pero que había dejado a los fanáticos todavía a la expectativa de si Brian podría largarse solo a armar un disco con algunos cuantos temas de variada factura, despojándose del virtuosismo puro de su técnica, y armando un set con buenas canciones, buenos solos y mucho rock, en general.

Es así como entre 1988 y 1992, Back To The Light toma forma. Con un poquito de aquí, un poquito de allá, todavía dentro de Queen, el disco se perfiló como un "disco no-Queen" y se terminó en 1992.Incluía algunos temas después de la muerte de Mercury, cosa que afectó profundamente a todos los miembros de la banda, notoriamente ejemplificado por "Nothing But Blue", en donde el díscolo Deacon colabora con su bajo para hacer uno de los puntos fuertes y sentidos del disco.

Desde el tema segundo hasta el séptimo, es una verdadera andanada de canciones memorables. Si bien, representadas por el espíritu de finales de los 80, todavía con los virtuosos violeros dando vueltas en las bateas, éste álbum está a la par de cualquiera de Steve Vai o de los noventosos de Satriani. Tiene mucha guitarra, como se promete, May se pone a rockear. Sobre todo en "Resurrection", donde clama a los golpes de la bata de Cozy Powell, ser tenido en cuenta como el padre del "Tapping", que Van Halen perfeccionó en toda su carrera. "Love Token", una semi-opereta rockera en clave "Headlong", con actuaciones de voz chistosas, y un riff de la puta hostia, es la tendencia que marca May en todo el disco.

Posteriormente, tenemos la parte radial del asunto; "Too Much Love Will Kill You" y "Driven By You" son dos hits olvidados que en su momento, fueron muy escuchados. Sin embargo, en 1995 es más conocida la versión cantada por Mercury (y mucho más sentida que la de este disco) que ganó popularidad como canción de Queen, más que de su guitarrista.

Last Horizon, es un instrumental que tiene un gancho impresionante, y bien podría haber sido la continuación de "Bijou", como de hecho lo fue en tanto May con Taylor y Paul Rodgers, tocaron estas canciones en vivo a posteriori.

Los demás temas acompañan, pero el disco no deja de ser parejo, y definitivamente, el mejor que jamás haya hecho Brian. Hay rock, hay viola, hay batería, y está el fantasma de Freddie. Algo que sucedió desde 1991 hasta estos días. Un disco recomendable y diría, fundamental en la vida de todo queenero.

Tracklist:

01. The Dark (2:20)
02. Back To The Light (4:59)
03. Love Token (5:55)
04. Resurrection (5:27)
05. Too Much Love Will Kill You (4:28)
06. Driven By You (4:11)
07. Nothin’ But Blue (3:31)
08. I’m Scared (4:00)
09. Last Horizon (4:20)
10. Let Your Heart Rule Your Head (3:51)
11. Just One Life (3:37)
12. Rollin’ Over (4:36)

Total Time 51:31

Musicians:

Don Airey: keyboards
John Deacon: bass
Geoff Dugmore: drums
Brian May: guitar, piano, keyboards, vocal (bckgr)
Mike Moran: piano, keyboards
Neil Murray: bass

Cozy Powell. Drums, performer
Gary Tibbs: bass

FileServe

Back To The Light

FileSonic

Back To The Light

Wire - Pink Flag (1977) [FLAC]

2011-03-23T16:36:00.001-03:00

Cable. Qué buen nombre para una banda proto-punk.

Es que, si el jazz rompe con los esquemas tradicionales de la música, el punk lo hace en sentido análogo, pero en otra dirección totalmente diferente. Los temas de este disco son 21 y el más largo no sé si llega a los tres minutos y medio.

Si bien no es el punk acérrimo de los Pistols, aunque es contemporáneo de la barra de Sid Vicious, el estilo de Wire está en todas las bandas que le sucedieron. Está en The Clash sobre todo, está en los mismísimos Stones, de quienes supongo que han tomado cierta influencia para componer Pink Flag. Un disco que a estas alturas está en los fundamentales, imprescindibles, infaltables discos de cualquier músico, de cualquier melómano y de cualquier rockero punk de ley, por supuesto.

Este set vomitado de 21 canciones que desafían la estética del rock, en tanto tienen versos y no estribillos la mayoría de ellas, en tanto muchas de ellas parecen demos de cualquier banda, con pedazos de canciones por terminar, dura unos 33 minutos. Si bien hay algunos patrones que se repiten, tenemos todo el repertorio del punk condensado en Pink Flag. Está todo, desde el más oscuro hasta el bailable, desde el más pop hasta el más cabeza. Desde Ramones, Stones, REM, The Clash, hasta Dos Minutos. Todo está en Pink Flag. Es un disco sorprendente, completo, bizarro, pero sobre todo, lleno de rock.

En mi caso, tuve que escucharlo tres o cuatro veces al hilo (no por no entenderlo, sino porque me parece tan corto y lleno de recursos..), para terminar concluyendo que, de las 21 canciones, la única que no me gusta es Ex Lion Tamer. Me he vuelto un nuevo fan de este disco. Uno de los mejores de la historia del rock, no tengo dudas. Sólo necesitás media hora para confirmarlo. Si no conocés este disco, realmente, te estás perdiendo de mucho.

Side one

"Reuters" – 3:03
"Field Day for the Sundays" – 0:28
"Three Girl Rhumba" – 1:23
"Ex Lion Tamer" – 2:19
"Lowdown" – 2:26
"Start to Move" – 1:13
"Brazil" – 0:41
"It's So Obvious" – 0:53
"Surgeon's Girl" – 1:17
"Pink Flag" – 3:47

Side two

"The Commercial" – 0:49
"Straight Line" – 0:44
"106 Beats That" – 1:12
"Mr. Suit" – 1:25
"Strange" – 3:58
"Fragile" – 1:18
"Mannequin" – 2:37
"Different to Me" (Annette Green) – 0:43
"Champs" – 1:46
"Feeling Called Love" – 1:22
"1 2 X U" – 1:55

En FLAC!

La Operación

2011-03-21T03:17:00.001-03:00

Ya lo hizo Kissinger en su famosa "operación Cóndor", sólo por citar el ejemplo que todavía me resuena como mágica casualidad de tipos que abogaban por la paz.

En realidad, cada uno de los movimientos denominados "operaciones", siempre traen aparejados vergonzosos eventos para la humanidad.

Esta "operación odisea al amanecer" ya ni nombre digno tiene. Ver a otro premio Nobel de la Paz, como Barack Obama justificando el ataque a Khadafi, al gobierno libio, o lo que sea que carajo suceda en el norte de África, en ese pequeño cinturón petrolífero del cual todos somos codiciosos en el remoto caso de que alguna vez pudiéramos acceder a ese mundo ilusorio de dominio económico mundial (y al cual nunca accederemos), es tan vergonzoso como la operación precitada.

Tampoco creo que sepamos concretamente qué es lo que sucede de verdad en Libia. Me pregunto por qué han pasado más de veinte años hasta que alguien se aviva de que en Libia hay una dictadura. Me pregunto si está bien todavía seguir metiendo justificativos sobre las actitudes y cosmovisiones de lugares lejanos para sacar tajada de las postrimerías. Ese es el problema, la tajada. Sino, nadie metería sus narices donde no importa.

Ahora, a una semana de un evento mundialmente shockeante, que debiera generar toda la adhesión, la humanidad, los propósitos nobles del ser, la opción de la energía alternativa, o de la real consciencia de la armonía natural en lugar de la lucha contra la misma, viene aparejada como parte de una ola, esta intragable yapa (como quien no quiere la cosa); que no te deja pensar demasiado si estás distraído preocupado por la vida en Japón, por entender esa maravillosa capacidad de resiliencia de los nipones, y que te deja tecleando de cuál es el verdadero fenómeno conocido como Tsunami.

Ola de muerte también es la que proponen algunos líderes internacionales sin importar nada más que sus intereses locales, o políticos, o personales.

Es decir, ¿alguien puede explicar lo que está pasando en Libia? Porque poco se puede saber, poco se puede entender. ¿Cómo Bush no lo vió antes? ¿Cómo Tony Blair nunca se pronunció sobre el tema Kadhafi?

Después me quejo de mis gobernantes, pero la verdad, en todos lados te quieren tomar el pelo y te tratan de boludo.

Repito, ver a Obama tratar infantilmente de dar una explicación acerca de la cuestión Libia, justificando un bombardeo a un país sobre el cual su soberanía y decisiones propias están dirigidas por intereses poco claros para propios, pero sobre todo y mas que nada para los ajenos, es una historia ya repetida, triste, irrisoria y repudiable. Respeto a la soberanía nacional de otros países, un carajo.

Hace rato no me expido sobre estos temas, pero no significa que algunas actitudes no merezcan reacción enojosa y de reprobación. Sí, soy un argentino del fondo del culo enojado con Obama y el eje "aliado" que a estas alturas, se me hace más parecido al III Reich que otra cosa.

De la nuencia de la ONU ya ni me metería a hablar, porque sería demasiado para una sola mente. La ONU aprueba un bombardeo a objetivos de un país. Increíble. ¡¡¡LA ONU!!!

Algun día, van a venir por nosotros, por cualquier excusa que se imaginen, el paisaje, el turismo, el agua, los campos, el poco petróleo que tengamos. Lo que sea. Bah, en realidad ya no nos pueden sacar demasiado, dado que casi nada nos pertenece, ¿verdad?

El futuro del mundo sigue esperando nuestra respuesta. Y todavía no tenemos ninguna.

Black Sabbath - Heaven And Hell (1980) [2CD, Deluxe Edition, SHM-CD]

2011-03-20T17:19:00.001-03:00

Muchos habían dado por muerto a Black Sabbath en los 80, y con buena razón — los últimos discos de la banda no habían estado para nada a la altura de sus primeros clásicos, y además su cantante original, Ozzy Osbourne se había ido de la banda. Pero los Sabbath encontradon un reemplazante valioso en el antiguo cantante de Elf y Rainbow, Ronnie James Dio, y volvieron a las bateas renovados como en los inicios de los 70 con este disco de 1980, Heaven and Hell. La banda suena renacida y reenergizada durante todo el disco. La mayoría de los temas están entre los mejores de Sabbath, como por ejemplo, el frenético "Neon Knights", el calmo y épico "Children of the Sea," y el título que da nombre al disco, con uno de los mejores riffs de Tony Iommi y lo que se ha vuelto un clásico de los amantes del hard rock. Con Heaven and Hell, Black Sabbath vuelve al negocio. Lamentablemente, la versión de la banda comandada por Dio, grabaría un disco más de estudio antes de separarse- (aunque Dio volvería en los primeros '90s). Uno de los mejores discos de Black Sabbath.

~ Greg Prato, AllMusic.com

Vocals : Ronnie James Dio
Guitar : Tony Iommi
Bass : Geezer Butler
Drums : Bill Ward

Original 'Heaven And Hell' album released in April 1980, Vertigo 9102 751.
Produced and Engineered by Martin Birch.
Music written and arranged by Butler/Dio/Iommi/Ward.
Lyrics by Ronnie James Dio.

Recorded at Criteria Recording Studios, Miami, Florida.
Additional recording at Studio Ferber, Paris, France.

CD1:

01. Neon Knights [3:54]
02. Children Of The Sea [5:35]
03. Lady Evil [4:26]
04. Heaven And Hell [6:58]
05. Wishing Well [4:08]
06. Die Young [4:45]
07. Walk Away [4:26]
08. Lonely Is The Word [5:50]

Part 1
Part 2
Part 3

CD2 (Bonus Disc):

01. Children Of The Sea (Live, Single B-Side) [6:26]
02. Heaven And Hell (Live, Single B-Side) [7:20]
03. Lady Evil (Mono Edit, 7' Single) [3:58]
04. Neon Knights (Live in Hartford, CN, U.S.A., 1980) [4:50]
05. Children Of The Sea (Live in Hartford, CN, U.S.A., 1980) [5:58]
06. Heaven And Hell (Live in Hartford, CN, U.S.A., 1980 & 12' Single Version) [12:35]
07. Die Young (Live in Hartford, CN, U.S.A., 1980) [4:37]

Part 1
Part 2
Part 3

Complete artwork, JPG's in 300 dpi
Artwork

Original Uploader: Igor191965 // avaxhome

Pink Floyd - The Piper at the Gates of Dawn (1967) [3CDs Box Set] {40th Anniversary Limited Edition 2007}

2011-03-02T16:13:00.002-03:00

Este box set del 40 aniversario del disco debut de The Pink Floyd, ofrece tres CDs en una sola tirada. Los primeros dos discos presentan la edición británica en mono y en estéreo respectivamente, ambas mezclas remasterizadas, mientras el tercer disco contiene varias tomas alternativas y singles poco conocidos. Las verdaderas gemas de la edición son las tomas alternas de clásicos del álbum, como "Matilda Mother" e "Interstellar Overdrive" y los primeros tres sencillos de la banda con sus lados B. "Arnold Layne," "Candy and a Currant Bun," "See Emily Play," "Apples and Oranges," y "Paintbox." Luego muchos de estos temas serían lanzados en "Relics", pero estas nuevas ediciones eclipsan la tecnología digital de "Relics".

Cuando los Beatles grabaron SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND en 1967, prácticamente echaron a una banda que ensayaba en un estudio vecino de Abbey Road para grabar los coros de "Lovely Rita". Esa banda era Pink Floyd y, mientras los Beatles estaban puliendo lo que muchos consideran el gold standard de la psicodelia britántica, Syd Barrett y compañía ya estaban finalizando el disco PIPER AT THE GATES OF DAWN. Producido por Norman Smith--jefe de ingeniería Beatle en los primeros sesenta --PIPER catapultó la invasión británica al cosmos. Con espíritu explosivo apenas contenido bajo los dictámenes pop, el tracklist fue todo un clásico. El bajo siniestro de Roger Waters se agazapa debajo de la lisergia áurea de "Interstellar Overdrive" "Instellar Overdrive" y "Lucifer Sam," mientras Rick Wright y su órgano envuelven como porcelana a "Matilda Mother"

En definitiva, PIPER, el único disco de Floyd que realmente lo incluye dentro de la banda, pertenece a Barrett. Usando la guitarra eléctrica como un giro textural, llevando la convención pop a las arenas movedizas de la melodía e introduciendo liricismo infantil en el lexico psicodélico (el nombre del álbum está sacado de su libro favorito THE WIND IN THE WILLOWS), su voz y su composición asombran. De hecho, las cadencias voladas de Barrett son tanto un símbolo psicodélico como la estrato de Hendrix, o el sitar de Harrison. Su voz suena como en el medio del viaje y captura la bella y miedosa, pesadillesca fragilidad de la experiencia. Un disco debut extraordinario, PIPER permanece como la declaración de propósitos visionaria de Barrett.

tracklist:
CD 1
01. Astronomy Domine (Mono) (2007 Remaster)
02. Lucifer Sam (Mono) (2007 Digital Remaster)
03. Matilda Mother (Mono) (2007 Remaster)
04. Flaming (Mono) (2007 Digital Remaster)
05. Pow R. Toc. H (Mono) (2007 Digital Remaster)
06. Take Up Thy Stethoscope And Walk (Mono) (2007 Digital Remaster)
07. Interstellar Overdrive (Mono) (2007 Digital Remaster)
08. The Gnome (Mono) (2007 Digital Remaster)
09. Chapter 24 (Mono) (2007 Digital Remaster)
10. The Scarecrow (Mono) (2007 Digital Remaster)
11. Bike (Mono) (2007 Digital Remaster)

CD 2
01. Astronomy Domine (Stereo) (2007 Remaster)
02. Lucifer Sam (Stereo) (2007 Digital Remaster)
03. Matilda Mother (Stereo) (2007 Remaster)
04. Flaming (Stereo) (2007 Digital Remaster)
05. Pow R. Toc. H (Stereo) (2007 Digital Remaster)
06. Take Up Thy Stethoscope And Walk (Stereo) (2007 Digital Remaster)
07. Interstellar Overdrive (Stereo) (2007 Digital Remaster)
08. The Gnome (Stereo) (2007 Digital Remaster)
09. Chapter 24 (Stereo) (2007 Digital Remaster)
10. The Scarecrow (Stereo) (2007 Digital Remaster)
11. Bike (Stereo) (2007 Digital Remaster)

CD 3
01. Arnold Layne (2007 Digital Remaster)
02. Candy And A Currant Bun (2007 Digital Remaster)
03. See Emily Play (2007 Digital Remaster)
04. Apples And Oranges (2007 Digital Remaster)
05. Paintbox (2007 Digital Remaster)
06. Interstellar Overdrive (Take 2) (French Edit) (2007 Digital Remaster)
07. Apples And Oranges (Stereo Version)
08. Matilda Mother (Alternative Version)
09. Interstellar Overdrive (Take 6)

Links!

Retrospecticus

2011-02-15T02:01:00.001-03:00

Este espacio ha dejado de ser lo que otrora solía ser...

Aquí se escupían verdades, se aniquilaban demonios, ¡¡¡se expiaban pecados de lo más variopintos!!! Y sin embargo... hoy sucumbe a las quietas aguas de la música. A los arrumacos tristes pero siempre presentes de los que han prestado sus cuerdas y sus voces a los que no tienen voz.

Inútil es ahora arrepentirse de semejante yerro; prometo que la música inundará nuestros corazones siempre y cuando se de me conceda la venia... se me deje volver a los orígenes de la reflexión sesuda y maloliente.

No hay ninguna gloria. Una vez, DeNiro en uno de sus conocidos largometrajes dijo algo muy cierto: "sometimes a man´s gotta do what´s he gotta do" (a veces, un hombre debe hacer lo que debe hacer).

Hace varios meses que he perdido la pluma entre bailantas pegostiosas, trabajos inútiles, intentos de docencia, estudios aplazados y amores con desasosiego. Y sin embargo, me urge, de vez en cuando, brindar a este blog el espacio cálido, despojado y amoroso que solía tener en lugar de brillantes músicos, mejores intenciones y alguna gráfica graciosa.

Sugiero navegar por este espacio para los visitantes nóveles, quienes pueden advertir que este escrito está bastante descolgado de la actualidad. No os engañéis... hay algunas piezas de colección. Yo mismo, a modo de bitácora personal (tal es la noción primigenia de cualquier blog que se precie de tal), he navegado por las antiguas mareas de mi ser. Por los antiguos espasmos de literato que suelen arrebatarme, cada vez con menos frecuencia.

Un poco de Dolina, otro poco de fóbal, mucha música, amores perdidos, desencuentros, filosofías de bolsillo y pericón dominguero: todo gratarola y al mejor postor. El tag "pensamientos" puede llevar a laberínticos dilates y deslices de un tipo más o menos normal...

Queen - Prayers for the Races [Apollo Theatre, Glasgow, UK 1977] (FLAC)

2011-02-11T18:37:00.001-03:00

Disc 1

01. A Day At The Races Intro
02. Tie Your Mother Down
03. Ogre Battle
04. White Queen
05. Somebody To Love
06. Killer Queen
07. Good Old-Fashioned Lover Boy
08. The Millionaire Waltz
09. You're My Best Friend
10. Bring Back That Leroy Brown
11. Death On Two Legs
12. Sweet Lady
13. Brighton Rock

Disc 2
01. 39
02. You Take My Breath Away
03. White Man
04. Prophet's Song
05. Bohemian Rhapsody
06. Keep Yourself Alive
07. Stone Cold Crazy
08. In The Lap Of The Gods... Revisited
09. Now I'm Here
10. Liar
11. I'm A Man
12. Jailhouse Rock
13. God Save The Queen

Files: 26. :: Size: 265,94 MB.

Total Time: 01:56:11 hour/s.

*** A Day at the Races Tour ***

Personnel: Brian May :: Roger Taylor :: Freddie Mercury :: John Deacon .

Notas: Este show en Glasgow está considerado como uno de los más legendarios conciertos de Queen. Las audiencias de Glasgow se han hecho famosas por forzar a las bandas entregar grandes shows, y Queen no decepciona con una carismática, ajustada y enérgica performance. La cinta usada fue prensada en metal muchos años atrás por Gypsy Eye como "A Day at the Apollo". El sonido es algo distante pero muy claro y disfrutable. En el bootleg de Gypsy Eye, estaban cortados algunos fragmentos del show (Keep Yourself Alive) y eliminado "God Save The Queen". Wardour, el editor de este bootleg, lo hizo competentemente, y su valía -aún con algunos pequeños "gaps" que no han podido ser recuperados- radica en que el show se presenta completo.

Very Good Soundboard Recording - Silver CD Bootleg.

Los archivos están en .FLAC y en tres links intercambiables.

http://www.megaupload.com/?d=MIS25JCT

Fuente: Viva les bootlegs.

The Alan Parsons Project - I Robot (DVD-A) 24/96khz

2011-01-20T01:07:00.001-03:00

Cuando oí por primera vez este disco, hace unos meses atrás, a la versión de este disco en SHM-CD le había calificado con un 9.5 en los anales de la historia del rock moderno. Quiero justificar esa calificación, diciendo que, si el lado B de Abbey Road es el súmmum de cualquier disco; el lado A de I Robot es su contrapartida progresiva. Nunca me había entusiasmado tanto con un disco desde The Dark Side Of The Moon. De hecho, I Robot es un disco mucho más inmediato que DSOTM, al cual, tal vez, el neófito deba repasar un par de veces hasta atesorarlo en el corazón.

Es que, más allá de la temática Asimov-iana, en I Robot, la música es fundamental. Con DSOTM, por ejemplo, no pasa la cuestión tanto por la musicalidad de la obra, sino por su concepto. (Con la obvia excepción de Money, Any Colour You Like y The Great Gig in the Sky). Digamos, no creamos que estoy comparando ese mítico disco de los Floyd con éste super "underrated album" del rock británico.

Si me apuran, yo lo pongo a la par de The Wall, de Atom Heart Mother -disco con el cual, encuentro cierto paralelismo. Trato de meterme en el contexto: 1977. Épocas de News Of The World, la invasión punk y Animals... El funk aparecía como una moda a seguir, y la discomanía comenzaba a forjarse. En materia de sonido, el concepto de audiofilia pasaba a ser algo más buscado que el efectismo. Muchas bandas lo anhelaron y tal vez, parecía ser el modelo a seguir. Las trazas de Moody Blues y la ELO se notan bastante en este álbum. Tal vez, porque Alan Parsons ayudó en la ingeniería de Abbey Road. Oh, casualidad, disco cuyo lado B se completa con la tanda de knock outs "I Robot", "Wouldn´t Wanna Be Like You", "Some Other Time", "Breakdown", "Don´t Let It Show".

De ese año, en ésa época, I Robot sigue siendo vanguardista. Una cosa de otro mundo. Los primeros cinco temas son un idilio para cualquier banda moderna de rock. Cierto es que, a partir de The Voice y los efectos de esta composición, el disco no puede sostenerse por su propio peso y decae un poco en su tramo final. De todas maneras, es un mérito mucho mayor que cualquier disco pésimamente elaborado del hoy. No hay ya bandas como ésta. Y ésa es, tal vez, la principal queja de quien escribe.

Pero bien vale la aclaración. La calidad de sonido y arreglística de APP en este disco ha sido difícil de ver.

Mierda, si estoy comparando este disco con Animals o News Of The World, algo realmente estaba pasando por allí.

Para los que hemos criado nuestras orejas sentados, frente a una bandeja o compactera, con librito (ahora le dicen booklet) para el CD, con el volumen al palo, a todo lo que da, cuidando de las ecualizaciones, escuchando cada instrumento, cual fiel escucha de música clásica, I Robot es el disco definitivo. Porque pasa por todas las influencias juntas. Porque engancha, porque emociona.

Un par de meses después de descubrir este disco pasa lo que pasa con las cosas que se incrustan para siempre en la mente y los cerebros y las almas de quienes lo aprehenden: arrancan una lágrima, porque sabemos que discos como éste, no serán vueltos a editar.

Lo voy a repetir por si no queda claro: I Robot es, aparte de uno de mis diez discos favoritos, una verdadera obra maestra.

Ahora viene la versión en DVD-A. Para bajar, grabar y atesorar. Pesa 3.96 GB y para grabarla, luego de bajarla, sugiero utilizar el Audio DVD Creator. Se consigue aquí. Y aparte, es mejor que los códecs de tu reproductor de música (Windows media, Spider Player -mi favorito-, o RealPlayer) estén actualizados. Eso lo logras entrando por acá. Se puede oír tanto en la PC, habiendo bajado los códecs y con el reproductor adecuado, como grabar en DVD y escucharlo en el hi-fi, tal como lo hice yo, aunque es más engorroso, es el DVD que vale la pena tener en tu colección.

Por supuesto, que no me voy a ir sin dejarles estos 3.96GB que parecen un montón, pero que valen realmente la pena tener.

http://lix.in/-97a58b

Saludos!

Martigan - Vision (2009) [.ape]

2011-01-11T10:49:00.004-03:00

Nuevo año, nuevo diseño.. Gracias a la megamente de Storm Thorgerson, el tipo que hizo de los discos, objetos de culto artístico.

Para arrancar pateando traseros, vengo con un disquito perdido de por ahí; una pequeña joya editada a inicios de 2009.

Buscando en http://www.progarchives.com cosillas nuevas en el mundo de la música progresiva, me he topado con este disco, como algunos llaman "neo-prog-rock" de esta banda alemana pero que canta en inglés.

No, no se trata de Scorpions, aunque las tapas de Thorgerson han convertido a los rockeros de Hannover en una popular banda de heavy ochentoso; tampoco hablo de Kraftwerk, los capos de la electrónica. (En realidad, debo decir que hasta ahí llegaba mi conocimiento de las bandas alemanas de rock).

Hoy les traigo a Martigan, una excelente banda, un poco desconocida por estos lares, pero que a los amantes de Genesis, de Yes (entre los que me cuento fervorosamente) y el resto de las superbandas progres de los 70, les va a sonar copado.

En realidad, Vision, el disco que presento, tiene todo eso y más. Es una suite de larga duración, pero que a la pasada se hace fácil de oír. Es decir, hay virtuosismo en cada instrumentista, los arreglos están maravillosamente colocados, hay cosas de Tull, de Dream Theater, de los mencionados Yes y Génesis, incluso cosillas Gilmournianas.. de todo un poco en esta ensaladita que es Vision. Por otro lado, no vaya uno a creer que esta banda ofrece más de lo mismo; todo lo contrario. Parecen tipos fieles al pasado, pero agregan muchos yeites modernos, incluso podríamos decir que resulta ser la evolución en el tiempo de los mismos Yes o Génesis.

La variedad de ritmos, armonías, solos de guitarra excelentes (ahí sí rememorando tanto a Steve Hackett) y traqueteos del batero Alex Bisch acoplados con el bajo, dos compañeros inseparables, hacen una excelente ejemplificación de lo lejos que puede llegar una formación con sólo teclados, guitarra, bata y bajo.

Es que es ésa la esencia del progrock. Conservar el minimalismo pero amplificarlo arreglísticamente y fusionar toda la variedad de ideas en una sola opereta (a-la- Pink Floyd). A estos fines, Martigan entrega un disco memorable, nuevo y viejo, con cada cosa en su lugar. Nada de virtuosos de la viola con solos de 45 minutos, nada de demostraciones técnicas solistas; todo es el grupo, es la fusión de todos sus elementos, cada cual en lo suyo, con una proyección y una factura técnica envidiable.

El disco pasa por climas, por épocas, por humores distintos y empieza y termina con dos épicas (Boatman´s Vision y The Contract) que por sí solas justifican su tenencia en las bateas del rock. Al lado, quizás de "Close to the edge" y "Foxtrot".

Martigan no es Porcupine Tree, no es Dream Theater, no es nada de eso. Se asemeja en partes a lo que ya se ha oído. Pero no tanto.. esa ambigüedad es bastante misteriosa y cautivante. Con un par de pasadas más, seguro es uno de los favoritos. La primera vez que lo escuché, hace pocas horas, me gustaron las dos épicas la suite inicial y la suite final. Deberé entrar en esos 40 minutos restantes que han pasado sin darme cuenta para terminar de redondear el disco, que ya de por sí es cuanto menos, muy pero muy bueno e interesante. El álbum está en .ape y tiene el arte de tapa con los inlets. Sólo lo encontré en kpnemo y creo que si no nos apuramos, se complica conseguir el disco. Al menos, yo lo encontré en un solo lugar.

En fin, amantes del progrock que visitan este espacio, dénse una panzada y conozcan a esta banda, vale la pena.

Tamaño del archivo: 564 Mb

1. Boatman's Vision (23:12)

2. Craze This Town (6:46)

3. Snapshots (2:23)

4. Touch In Time (7:56)

5. A Great Concern (1:03)

6. Much More (6:51)

7. Red & Green (10:55)

8. The Contract (20:11)

part 1

part 2

part 3

pass: kpnemo

Sci-Fi

2010-12-28T04:34:00.000-03:00

Una de dos: o me he quedado literariamente estancado, o realmente noto que el escritor moderno ha perdido inventiva futurista.

Tal vez la queja más flagrante de mi parte, es pensar en que aquellos de mis autores favoritos (Asimov, Bradbury, Welles) no han tenido discípulos literarios, por así decirlo.

Sí; es un pensamiento fácil de elucubrar. En realidad, se basa en la premisa de que yo tampoco me he inmiscuido demasiado en los avatares de la moderna ciencia ficción y siempre me remito a los clásicos del género.

Es así como hoy me encuentro leyendo el ciclo de las Fundaciones de Asimov, con los cuales me sigo maravillando (cincuenta años después de escritos) con los conceptos de la psicohistoria, las trampas del espacio-tiempo, los devenires de la humanidad como raza, y tantas otras vicisitudes literarias de la ciencia ficción una vez planteadas por el genio bielorruso al que menciono y admiro.

Entonces, supongo que como género, la sci-fi ha perdido adeptos. Nos hemos quedado más meditabundos en el mundo real, en las cuestiones del presente y hemos perdido ese afán por la conquista del espacio, del universo entero. Sea por intereses momentáneos, sea por real inoperancia cósmica, el triste presente del humano promedio consiste en poco menos que mirar hacia su ombligo en lugar de preguntarse por el afuera. De siquiera interesarse por las fuerzas cósmicas que rigen el Universo.

Hoy, un tipo que te habla de qué planeta colonizaremos en cincuenta años es poco menos que un candidato al hospital psiquiátrico.

Mal ahí, hemos perdido el interés por la ciencia más dura; pero lo que más preocupa es que hemos perdido el interés y la fascinación por el porvenir. ¿Será que no lo hay? ¿Será que las cosas están tan podridas que nadie puede darse el lujo de fantasear con un futuro alternativo o ideal? ¿Será que debemos enterrar para siempre estos hermosos textos que hicieron a los hombres alguna vez, maravillarse con su propia curiosidad?

Cada vez que veo Inteligencia Artificial, aquél peliculón de Spielberg, me engancho, me quedo meditabundo, me da qué pensar. No porque sea lo que vaya a suceder indefectiblemente; sino porque yo apelo a la fantasía, a la hipótesis, al ensueño, al planteo abstracto y febrilmente optimista; a la dicotomía hombre-máquina, al teórico futuro. Y ahí me quedo, ahí me gusta, ahí me muero.

Hoy la ciencia-ficción no es tan popular. Ojalá eso cambie, ojalá. Lo deseo con el alma. Estamos pensando demasiado mucho a muy corto plazo. ¿Qué nos pasó, como género? Dejamos de mirar hacia arriba y nos hemos centrado en la pelotudez, eso pasa. Nos hemos quedado pelotudeando entre nosotros, a ver quién tiene cuál miembro viril más grande.

Y eso debe ser gritado a los cuatro vientos. Estamos meando fuera del tarro, muchachos. Hemos dejado de preguntarnos las cosas. Y lo peor, nuestros hijos nacerán habiéndose dejado de preguntar qué es lo que sucede más allá de sus propias narices.

Pero todavía estamos a tiempo. Mi granito de arena: la trilogía (o las primeras partes del ciclo de Trántor) acerca de la Fundación, serie de relatos de Isaac Asimov.

El argumento es muy simple: la humanidad, desperdigada por la Galaxia, comienza a corromperse. Hari Seldon, un psicohistoriador, predice con mucha antelación acerca de cuáles son los pasos a seguir para reestructurar la humanidad a través de dos "fundaciones" instaladas en planetas extremos de la galaxia una vez que comienze la inevitable decadencia del Imperio. Cada personaje, cada historia corta contada con maestría, forma parte de un todo, de una pieza en aquél genial ajedrez futurista.

http://rapidshare.com/#!download|790tg|226107857|Asimov__Isaac_-_Fundaci_n__1951_.pdf|810

http://rapidshare.com/#!download|792tl2|226107943|Asimov__Isaac_-_Fundaci_n_e_Imperio__1952_.pdf|768

http://rapidshare.com/#!download|613l33|226108868|Asimov__Isaac_-_Segunda_Fundacion__1953_.pdf|73

Además, quiero compartir con ustedes mi texto favorito de Asimov, "El fin de la eternidad". Un libro recomendadísimo por su complejidad, riqueza y originalidad.

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Y fíjensé lo que pensaba el tonto de Isaac en 1988, cuando la Internet no existía:

Ahora, citando las fuentes, me despido hasta pronto y elevemos la bandera de la fantasía humana una vez más. Sirve más de lo que aparenta.

Fuentes: Taringa, Wiki, Biblioteca Federiquiana.